BANDAS MÍTICAS 5: WOLFSTONE

Artículo realizado por Jarramplas y reconfigurado por Abraham Fdez.



Wolfstone es un grupo escocés que aúna en su música el tradicionalismo folk celta junto al rock más enérgico. Pese a que su formación nunca ha sido estable, pues varios músicos han pasado por ella, han seguido una línea coherente en su estilo, lo que les ha llevado a ser un grupo de culto en su estilo. Las tierras altas escocesas han forjado en Wolfstone el estilo épico y salvaje del que hacen gala con sus grabaciones.



Desde su nacimiento en 1989, el grupo, mediante bajo, guitarras eléctricas, gaita, violín, teclado y percusiones, junto a un dinamismo contagioso en el escenario, nos ha brindado una discografía apasinante de 8 discos, desde Unleashed en 1992 hasta el reciente Terra Firma de 2007. Sin embargo, sus grabaciones comienzan en 1989 con dos álbumes que ahora son casi un objeto de culto: Wolfstone I y Wolfstone II son dos trabajos en los que el grupo ahonda en el aspecto más tradicional de su música. Son dos discos que no son considerados un referente en su discografía básica y que podeis descargar aquí:

Wolfstone - I

01. Reconciliaton
02. Tatites
03. Ready For The Storm
04. Banjo
05. Cave
06. Brolum
07. How Long
08. Paddys
09. Rocky 5

Wolfstone - II

01. The battle
02. The flying scotsman
03. Red hot polkas
04. JC Tunes
05. Race with the devil
06. Michael Collins
07. Jethro Tull Tribute
08. Only our rivers run free
09. Erin
10. Come out ye black and tans
11. Song for yesterday

DESCARGAR LOS 2 CD´S


Los siguientes videos son de un concierto realizado en 1992, donde vemos la energía con la que presentaban el directo de estos dos trabajos:

BATTLE: THE BATTLE OF THE SOMME/THE BUGLE HORN/THE ATHOLL HIGHLANDERS


Wolfstone : Captured Live


HECTOR THE HERO


TAMBIÉN PUBLICAMOS UNA CRÓNICA DEL PERIODISTA ALEMÁN DE LA REVISTA FOLKWORLD´S MICHAEL MOLL DURANTE LA VISITA A VIGO DE LOS COMPONENTES DE WOLFSTONE Ivan Drever & Duncan Chisholm.


Vigo, the biggest city of Galicia (North-West Spain) is said to have the second best night life of Spain, following Madrid. Being there, I found out just by chance that Scotland's possibly best folk music duo was in town...

Vigo is not really a pretty city; maybe its biggest attraction is the view away from the city over the Bay of Vigo. And yes also the nightlife is said to be a major attraction - where else would you see discos where at 9 a.m. the clubbers arrive with taxis still to go IN...
Folk music wise Vigo's most important meeting points are two pubs, "Dublin" and "Sete Mares". Both are owned by the same person, and this guy has close relations to Berrogüetto, one of Galicia's top bands. In both of these places it is most likely that you might find some of the great Galician musicians having a pint.

The "Dublin" pub has become famous all over the world because of the Chieftains' "Santiago" album, with one of the numbers having been recorded there. With a huge crowd of listeners and a superb atmosphere, the Irish lads played along with the likes of Carlos Núñez and friends. "Dublin" was the first Irish Pub to open in Vigo some decades ago.
Just a couple of streets away from "Dublin", behind the church Santiago de Vigo, are the "Seven Seas", or "Sete Mares", the newer venture of the "Dublin" owner. This pub is totally different to "Dublin", having a large standing area, a big stage and behind the stage a huge impressive painting of ships on the stormy seas. This was the setting of the concert of Ivan Drever and Duncan Chisholm.

Vigo seems not too much related to folk music... Still, the people who came to the concert were very good listeners and obviously enjoyed it.

Although both looked quite tired (well you surely need to get used to start your concerts at 10 p.m.), Ivan and Duncan did a beautiful set. Ivan Drever is not only a great songwriter with a warm and impressive voice, he is also a superb guitarist, while Duncan Chisholm is a genius on the fiddle. Together they are definitely in the top league of the folk music scene.
As usual, they offered a highly attractive mixture of modern songs and Scottish tunes. A lot of the songs from Ivan's new album "Black White and Blue" were heard, as well as songs and tunes from the duo album "The Lewis Blue". Great songs with wonderful lyrics, energetic and fascinating tunes like "Maggie's Pancakes/The little cascade" or the beautiful quiet tune "Bonnie Lindsey" dedicated to the daughter of Ivan's wife. And what do you think might come out of a tune written in a traffic jam on a German motorway? For most people it would be without doubt an energetic, angry tune - not for Ivan, who has used the time in the jam to write an enchanting quiet tune...

The concert in Vigo was part of a short five day tour in Galicia/Asturias, being the first Northern Spanish tour of the duo since a couple of years. A difference to concerts in Germany or Britain was that the concert was much more focussed on the music than on introductions and jokes - linguistic reasons, of course...

After the concert I still went for a jar to the "Dublin" bar, finding there - of course - Ivan and Duncan; it's those two pubs to meet the folk music folks, as I have said above...

And if you come to Vigo in Galicia, be sure to have a look into those two pubs - you find "Sete Mares" behind the church Santiago de Vigo; ask there for "Dublin".

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GUITARRA ACÚSTICA 1: DON ROSS

Como ya sabéis me mola mucho el sonido Country & Bluegrass

Mis guitarristas favoritos son Dan Crary & Tony Rice

Y un disco recomendado sin duda sería el de Men of Steel (Dan Crary, Don Ross, Beppe Gambetta & Tony McManus)
Lo podéis descargar de aquí



Empiezo mi lista de vídeos con el guitarrista canadiense DON ROSS.

Biografía:

Uno de los verdaderos innovadores de composición y técnica para guitarra , ha surgido como uno de los músicos más respetados en Canadá y uno de los guitarristas más repetados en el mundo. En septiembre de 1996, él logró hacer lo que ningún otro guitarrista ha hecho: ganó el prestigioso Campeonato de Guitarra estadounidense "Nacional Fingerstyle" por segunda vez (el primero lo ganó en 1988). La competición, realizada cada año en Winfield, Kansas, no se califica solamente con una técnica inmaculada, la música del guitarrista también debe mostrar un alto grado de emoción e intensidad - la cualidad del estilo de Don.



Hijo de padre escocés inmigrante y una madre Mi'kmaq aborigen, Don nace en Montreal en 1960 en el seno de una familia de músicos. Comenzó a experimentar con las posibilidades de de la guitarra acústica a la edad de ocho años. Con diez años jugaba con afinaciones alternas y exploraba la técnica "fingerstyle", técnica similar al estilo clásico. Tenía preferencias por escribir la música original y desarrollarla con un estilo personal, la aventura autodidacta de Don y su repecusión sobre el instrumento lo ha animado a seguir con su intuición musical. El resultado es un estilo inclasificable, musicas que toma prestadas del jazz, el pop, el rock, y la música clásica. Cuando le preguntan, -Don por lo general como se clasifica su música? Él responde: como "Heavy Wood" que se podría traducir como Heavy acústico...

Don Ross - Elevation Music


Don se graduó en el Departamento de Música de la York University de Toronto en 1983, pero esperó hasta 1986 para comenzar su carrera como un solista. Después de su primer triunfo en Winfield, le pidieron que firmarse con el sello Duke Street Records. Él registró tres CDs para Duke Street Records en cuatro años: Bearing Straight, Don Ross, Three Hands. Los CDs encontraron la aclamación unánime de crítica y público y le proporcionó numerosos viajes a través de Canadá y EEUU, participando también en prestigiosos festivales como en el Festival de Jazz de Montreux en Suiza.

Don Ross - Afraid to Dance


Don firma un nuevo contrato con la multinacional discográfica Columbia/Sony en 1994, la publicación de su primer álbum para la firma se titula, "This Dragon Won't Sleep", en 1995. En 1996 Don publica "Wintertide", un álbum instrumental de melodías tradicionales navideñas interpretadas con su particular estilo. Lynn Saxberg, crítico musical del Ottawa Citizen lo calificó como "una obra maestra", y la respuesta del público no fué menos entusiasta.

Don Ross - RockBarra


La siguiente publicación de Don, Loaded,Leather,Moonroof, fue publicado en noviembre de 1997. El álbum " ... es una remota exploración para un sentido rico de la armonía y los graves , " según Don. El CD transporta a los oyentes de Don a una compilación de los sonidos más diversos en los que refleja su influencia por todos los estilos musicales. En este álbum, Don interpreta apasionadamente las guitarras de seis cuerdas y de siete cuerdas así como el dobro. Él a menudo es acompañado por otros músicos que aportan su especialidad. Don considera la primera pista, " Loaded,Leather,Moonroof " una de las melodías más poderosas que él ha registrado hasta el momento, la deuda en parte a un gran solo por el bajista Mark Egan, que pidió tocar con Don ese año.

Don Ross - Loaded, Leather, Moonroof


El trabajo anterior de este sello incluye colaboraciones a la guitarra del gran Pat Metheny, el cantante Joan Osbourne y otros incontables ´grandes intérpretes. La colección de melodías sobre Loaded,Leather,Moonroof lleva a Don más lejos por delante de las fronteras de estilo habituales asociadas con la música acústica.

Don Ross - Jesse Helms' Night in Havana


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BIOGRAFÍA DE: EILEEN IVERS

Repaso por la vida de la violinista Eileen Ivers.

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BANDAS MÍTICAS 4: ALTAN (Una historia de amor)

Artículo realizado por Ángel Tradición


Mairead Ni Mhaonaigh de Gaoth Dobhar en Donegal, viene de una familia musical. Su padre, Francie, era un violinista que conservó los viejos estilos transmitiendo ésta sabiduría a los músicos más jóvenes. No es pues de extrañar la influencia que transmitió a su hija Mairead. Crecer en Cois Cladaigh cerca de Bunbeg, lugar de gran riqueza en música tradicional, era objeto de envidias para muchos músicos. Supongo que sería envidia sana, claro.




Frankie, un joven flautista de Belfast, venía a menudo de vacaciones, pasando largas temporadas, impregnandose de la cultura tradicional de estos lugares.

Coincidieron en el St Patrick's College Drumcondra Co. Dubiln. En 1979 participaron en la grabación del disco "Albert Fry" del cantante gaélico Albert Fry que aunque apoyaba a los jóvenes músicos no les permitía hacer grandes cosas, tan solo algunos adornos instrumentales en su propio beneficio, evidentemente, pero ya despuntaban imaginación y se aventuraba un gran futuro en la música.

Se casaron en 1981, y después de la graduación siguieron tocando en sesiones hasta formar un grupo: "Ragairne", con Donal O'Hanlan al bouzouki y Gearoid O'Maoinaigh, hermano de Mairead a la guitarra. tocaron en el festival Belfast Folk en 1983 grabado por la RTE (Radio-Televisión Irlandesa).

En diciembre de ese mismo año grabaron "Ceol Aduaidh", álbum con algunas influencias escocesas, está repleto de temas de baile del Ulster y canciones irlandesas. En el disco Mairead Ni Mhaonaigh se encarga de las voces y el violín y Frankie Kennedy de las flautas. Se hacen acompañar por el hermano de Mairead, Gearoid a la guitarra, Ciarán Curran y Fintan MacManus al bouzouki y Eithne Ni Bhraonain en los teclados.

Altan-the sunset


Éste primer trabajo del grupo está considerado una pieza clave de la música irlandesa de la década de los 80 y sentaría las bases del propio estilo de Altan

Ninguna banda irlandesa tradicional en los últimos doce años ha tenido un impacto tan amplio en el público amante de ésta música en todo el mundo que Altan. Desde sus grabaciones exquisitamente producidas, hasta las antiguas canciones tradicionales más sensibles y conmovedoras, su funcionamiento ha sido siempre vivo y dinámico. Comprometidos con la belleza de la música tradicional y en especial con la de los violinistas de Donegal, han demostrado desde el principio que los nuevos tiempos no están reñidos ni muchísimo menos con la tradición, hecho que se demuestra en cada concierto y en la popularidad que han llegado a alcanzar.

Llevo siguiendolos desde hace unos seis o siete años, cuando oí alguna que otra canción esporádica y me engancharon de tal manera que cuando me enteré que venian a Ortigueira (eso fué en el 2003) no dudé en preparar el viaje solo para tal evento. Bueno, mi sangre gallega salió a relucir también, todo sea dicho de paso y las historias que mi abuela me había contado sobre mis antepasados gallegos empezaron a pulular en mi mente. De ésta guisa maté dos pájaros de un tiro y pude realizar un sueño que ni mi abuelo ni mi padre pudieron hacer: Conocer Maceda, lugar de procedencia de éstos antepasados.

Como mandan los cánones de la tradición la música irlandesa se disfruta y se distiende entre amigos y familiares que con frecuencia se reunen en una atmósfera de respeto y total intimidad de una casa, donde quizás por ser el lugar más amplio y cálido la cocina era el lugar preferido para éste tipo de sesiones y por la cual pasaban desde los más virtuosos instrumentistas hasta los más novatos en fase de aprendizaje.

Ésta quizás era la semilla que acababa germinando en gente como Frankie Kennedy y Mairead Ni Mhaonaigh fundadores de Altan.

Altan-John Doherty's reels


Su repertorio está basado en una combinación de la antigua música de violin de Donegal (Mairead) y melodías insólitas de flauta del Norte (Frankie) que gradualmente se fué forjando entre miles de éstas sesiones, actuaciones por pubs del condado de Donegal, por la región del Ulster y festivales por toda Irlanda. Aunque también hay que destacar las influencias inequívocamente inspiradas de bandas como Planxty, The Bothy Band y Danann.

the chieftains & altan- woodhill house


"El Sonido de la Sorpresa", así fueron bautizados por el crítico musical del New Yorker. Con base en Dublín, Altan se decanta por recuperar libremente las tradiciones de su tierra, Donegal, paraíso de músicos en Irlanda, así como de otras zonas del Ulster.La base musical del grupo no está compuesta sólo por reels, tunes , jigs o hornpipes, piezas de baile familiares, sino que también se interesan por piezas esotéricas de Alemania, ritmos escoceses y mazurcas.

A Stor, a stor, a ghra - Altan


Parece ser que el nombre, Altan, viene por un lago que se encuentra en Donegal, justo detrás de la montaña de Errigal.

Entre 1984 y 1985 Frankie y Mairead decidieron dejar sus trabajos de profesores para dedicarse exclusívamente a la música. A partir de aquí se produjo un cambio decisivo en Altan. El dúo se había afianzado en esos años. Habían actuado en festivales en toda Irlanda, pero también en pubs irlandeses y en clubes nocturnos de Nueva York, Minnesota, Madison, Portland y Seattle, estos últimos junto a un viejo amigo y guitarrista de Derry residente en Minnesota, Daithi Sproule quién contribuyó en gran medida al desarrollo de la música tradicional, siendo uno de los primeros en adaptar la guitarra a las viejas canciones gaélicas.

El compromiso de Altan con la buena música fomentó que todos los músicos con los que ha contado han sido grandes y virtuosos intérpres, desde Ciaran Curran (bouzouki); Ben Lennon, violinista; Cathal MacConnell, flautista (de Boys of the Lough), todos ellos amigos de Frankie y Mairead. Finalmente, con la inclusión del guitarrista Mark Kelly a mediados de los 80, Altan se convirtió en una verdadera banda. Mark, en mayor medida que los demás músicos, ya había incursionado en otros géneros musicales como el jazz, blues, rock, country y clásico; su aporte le dio a la banda otro sonido y nuevos arreglos. Mark y Ciaran -quien también había inventado un estilo en su propio instrumento- aparecieron en el álbum "Altan" del '87, inaugurando así el sonido de la banda en estudio.

En los años siguientes grabaron para Green Linnet con los que aumentaron su audiencia en gran medida. Sus colaboradores en esos álbumes hicieron grandes contribuciones a lo largo de los años: Donal Lunny, Brian Masterson y Steve Cooney; además del violinista Paul Oshaughnessey conocedor de la música de Donegal. A principios de los noventa se incorporó otro viejo amigo, Dermot Byrne, un acordeonista influenciado por la vieja generación de violinistas de Donegal: los Doherty's, los Byrne's, y los Cassidy's.

En aquella época la banda sufrió la perdida de Frankie Kennedy. Aun durante la enfermedad, y ante la insistencia de Frankie, el grupo continuó de gira con su participación en la medida de sus posibilidades.

Reportaje de Frankie Kennedy realizdo por Alberto Ablanedo


Altan - Súil Ghorm













Su música, su visión, siguen siendo una inspiración para Altan. El éxito internacional de la agrupación encontró su reconocimiento cuando en 1996 firmaron contrato con la multinacional Virgin Records. Fue la primera banda irlandesa de su estilo en pertenecer a una gran compañía. La banda ha conseguido álbumes de oro y platino en Irlanda, y ha realizado giras por Japón, Nueva Zelanda, Australia, Europa, Estados Unidos y el resto del mundo.
Discografía:

Ceol Aduaidh
(Gael Linn, 1983; re-released by Green Linnet, 1993)

Altan
(Green Linnet, 1987)

Horse with a Heart
(Green Linnet, 1988)

The Red Crow
(Green Linnet, 1990)

Harvest Storm
(Green Linnet, 1992)

Island Angel
(Green Linnet, 1993)

Blackwater
(Virgin Records, 1996)

Best of Altan
(Green Linnet, 1997)

Runaway Sunday
(1997)

Another Sky
(2000)

The Blue Idol
(2002)

Local Ground
(2005): "A estas alturas, el sexteto que encabeza la prístina voz de Mairéad Ní Mhaonaigh es tan rocoso e infalible como un automóvil alemán. No se advierten aquí grandes novedades, pero quizá nadie las espere: baladas candorosas, reels a toda mecha, un refinamiento instrumental envidiable y, en fin, esa conjugación de vértigo e instinto melódico que tanta gloria ha reportado al folclor irlandés. Carlos Núñez se incorpora a la fiesta en una jiga preciosa, The silver slipper. "
(Fernando Neira, EL PAIS BABELIA, 3 de diciembre de 2005)

Los miembros que forman Altan actualmente son:
Dermot Byrne, Ciarán Curran, Mark Kelly, Mairéad Ní Mhaonaigh, Dáithí Sproule y Ciarán Tourish

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BANDAS MÍTICAS 3: MOVING HEARTS

Los Moving Hearts se formaron a principios de 1981 y cesaron sus giras en 1984. A pesar de muchos cambios de personal, Moving Hearts registró cuatro álbumes críticamente aclamados, y participó en festivales de mucho prestigio como el Festival de Jazz de Montreux, The Bottom Line en New York y en el Festival Intercético de Lorient en Bretaña. Muchas bandas han reconocido la influencia de los Moving Hearts en los “Pogues”.



Moving Hearts Live - Category

La formación original incluye a: Christy Moore (la voz, la guitarra y bodhran), Donal Lunny (bouzouki), Declan Sinnott (la guitarra), Davy Spillane (uilleann pipe & whistles), Keith Donald (saxo alto) y Eoghan O'Neill (al bajo), entre otros. Después del primer año: Christy Moore dejó el grupo para continuar su carrera en solitario y fue substituido por otra de las prestigiosas voces masculinas de Irlanda Mick Hanly.

Mick Hanly también dejaría el grupo dando paso a un periodo de tiempo en el que la banda realizó un trabajo como grupo instrumental durante cual grabaron el épico trabajo “The Storm” para el sello “Tara”. En este trabajo la banda estaba formada por: Davy Spillane y Declan Masterson a las uilleann pipes, Donal Lunny (al bouzouki, sintetizador y bordan), Keith Donald (al saxo), Noel Eccles (a la percusión), Matt Kelleghan (a los tambores), Eoghan O'Neill (al bajo) y Greg Boland (a la guitarra).

Moving Hearts Live - Lake of Shadows


Desde 1990, año en el que realizaron un concierto de despedida en el Dublins Point Theatre, los Moving Hearts sólo han realizado un puñado de conciertos de vez en cuando (incluyendo a Flo McSweney a la voz).
Sin embargo en 2007 la banda se juntó otra vez para algunos “bolos” en Donegal, antes de una programación de conciertos ofrecida en Dublin´s Vicar Street.
En 2008 hemos podido disfrutar de ellos en su único concienrto en España el cuál tuvo lugar en Santiago de Compostela. YO ESTUVE ALLÍ!!! jajaja.

Moving Hearts en Sons da Diversidade 08


“Si alguien pudiese registrar un género musical, este proyecto sería probablemente el mayor álbum publicado en la industria discográfica de todos los tiempos.
Ha sido increíble verlos en Dublín. Debió suceder en 1982… ellos me hicieron volar.
Son como una especie de hazaña celta. No podría otorgarles otra calificación que la de sobresaliente. Utilizan sus instrumentos como sables. La mayor parte de la idea original del musical RIVERDANCE está hecha por ellos. Pobres bastardos…15 años mas tarde serían contratados por alguien (BILL WHELAN) que les pagaría por realizar un trabajo que habían logrado por ellos mismos”.

Chris Rea – Q Magazine, (Mayo de 1998).

“¡Cómo describir esto! Estamos ante la verdadera fusión del Folk Irlandés. El sonido tradicional irlandés de la Uilleann Pipe, el Low Whistle, pallones, reels, y lirismo mezclado con el sonido moderno, urbano, de los sintetizadores y los saxos. Golpes de congas lanzados para realmente internacionalizarlos. Esto fue hecho en 1985 cuando la banda se encontraba en su nivel instrumental más alto.
El bajista, Eoghan O´Neill se marchó para tocar con Chris Rea, el teclista y bouzokista, Donal Lunny produjo a Christy Moore, Paul Brady y a Clannad. El saxofonista, Keith Donald tocaba con María Coughlan. Ellos estaban musicalmente relacionados.
Lo que consiguen es un sonido apacible, dulce, bailable aunque de vez en cuando desemboca casi en el jazz, pero es incontestablemente un sonido irlandés. Una rareza.

Moving Hearts feat. Davy Spillane


TNT Magazine (Julio de 1987)

Las noticias de este concierto vinieron como una grata sorpresa . Parte de un festival cultural irlandés en Londres. Al parecer había sido anunciado solamente dentro de la comunidad irlandesa hasta unos días antes del acontecimiento. Generó mucho malestar entre los admiradores no irlandeses de los Moving Hearts que averiguaron muy tarde la celebración del evento; a pesar de todo, el lugar se contemplaba confortablemente lleno.

Era el primer bolo de la banda después de tirar la toalla al final de verano pasado. Como fue con su álbum póstumo The Storm con el que tuvieron el mayor éxito de ventas, el material del concierto fue destacadamente extraído de éste álbum instrumental. Soy un gran admirador tanto de Christy Moore como también del estilo de Mick Hanly, pero a mí lo que realmente me apasiona de los Moving Hearts es su mezcla instrumental. La última vez que los había visto en directo, ellos tenían solamente un gaitero (Davy Spillane) y tenían algunos problemas técnicos con la ejecución de las voces entre él y Keith Donald (saxo).

Como con el L.P. ellos ahora interpretan 2 uilleann pipes, integrando a Declan Masterson al grupo. También han añadido a un percusionista magnífico para complementar los tambores, Kelleghan Mate, y un segundo teclista que llena la textura cuando Donal Lunny toca el bouzouki eléctrico.

La decisión de apostar por la música instrumental ha beneficiado a los Moving Hearts.
ES la fusión que ellos generan la que los encumbra a las cotas más altas de popularidad compitiendo con otras fusiones de gran aceptación en este país, como es el caso de las músicas africanas.
Son capaces de levantar al público y hacer que baile en los pasillos.

Pero no debemos alabar solamente el frescor y la fuerza del álbum The Store o The Lark que es el punto fuerte de la banda, Davy Spillane se ha convertido cada vez más en el actor principal del grupo, y no solamente por su uilleann pipe sino también por su trabajo con los Low Whistles con los que produce sensaciones increíbles como en Titanic y May Morning Dew, consigue resultar cada vez más evocador y extraer algo del sabor japonés de los intérpretes de shakuhachi.

La conexión oriental no se haría esperar. Corkiness estuvieron encantadores.
Los teloneros fueron los hermanos Guo procedentes de China. Estos virtusos se han convertido en hijos adoptivos de Irlanda después de participar en la gira con The Chieftains. El Low whistle de Davy Spillane suena a veces con el mismo sentimiento que la superlativa flauta de bamboo de Yue Guo.

¡Genial actuación! Varios corazones se estremecieron al volver a verlos todos juntos y percibir la cálida acogida del público. Han sido contactados para el festival de Preselli, es hora de que aparquen sus diferencias y se pongan en marcha. Han logrado demostrar que su percepción de la música no necesita un cantante.

Ian A Anderson - Folk Roots (Mayo 1986)

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BIOGRAFÍAS 6: CHRISTY MOORE

No hay preámbulos: Sale al escenario, con su guitarra, y comienza de inmediato la primera canción. Siempre da todo lo que tiene sin ocultar nada. Con un estilo Informal, le gusta contar anécdotas y algún que otro chiste entre canción y canción. Es un personaje carismático. El Erroll Flynn de la música tradicional.



Christy Moore nació el 7 de mayo de 1945 en Newbridge, condado de Kildare, una ciudad industrial conocida por sus cuerdas y cuchillería. La familia vivió en una casa ex-británica de un oficial de ejército en Moorfield. En los años 50 su padre abrió una tienda de comestibles en la ciudad. Christy tiene vivos recuerdos del trabajo que hacía en la tienda en horas extraescolares.

La pasión que sentía su madre por la música, se lo contagió desde muy pequeño,aprendiendo piano y formando parte activa en el coro de su escuela, llegando a ser la primera voz. Sus primeras influencias vinieron de Elvis Presley, Chuck Berry y Little Richard, y tambien de Gigli, John McCormack, Bobby Rogers, Bill Haley o Chuck Berry.


A los once años, su padre murió y se convirtió en la cabeza de su casa asumiendo el deber de cuidar de su madre y sus hermanos. Comenzó a trabajar en un banco, pero una huelga le hizo cambiar de rumbos.

El Rock and Roll estaban muy bien, pero Christy buscaba algo más relevante para un irlandés joven. Entonces oyó a Dubliners en la radio; ésa era su tipo de música. En 1961 descubrió The Curragh of Kildare de Robbie Burns, y se convertiría en una de sus canciones más populares.



A mediados de los años sesenta, formó un dúo con el compañero de clase y amigo Donal Lunny. El duo se llamó .The Rakes of Kildare.

En 1966 se fué a Inglaterra donde se introdujo en los circuitos de los clubs de folk. Vivió en Manchester y Halifax.durante 5 años.En los clubs ingleses aprendió a desenvolverse en el mundo de la música y le dieron lo que en varias ocasiones le negó Irlanda.

En Inglaterra estuvo , recopilando canciones y material y perfilando sus habilidades musicales ya considerables. Grabó su primer álbum: Paddy on the Road. Adivinais cual es el tema diez del disco? Evidentemente: The Curragh of Kildare
En 1969 pasó un tiempo en Londres con Ewan MacColl, un hombre que cantaba en el estilo tradicional, pero sus canciones eran de temática social, muy comprometido con la realidad de su entorno. Canciones muy relevantes incluso hoy dia. También se interesó por el trabajo de NIC Jones.

Christy Moore and Shane McGowan - Dirty Old Town


En 1970 regresa a Dublin donde comienza a preparar un disco muy especial por su transcendencia en la música tradicional irlandesa: "Prosperous" que grabaría en 1972 junto a Andy Irvine, Donal Lunny y Liam O'Flynn, entre otros músicos, y que daría lugar al nacimiento de Planxty.

En 1973 ,militante de izquierdas convencido, apoyó campañas para el desarme nuclear y otras muchas causas sociales.En una ocasión volvió de un viaje para una manifestación de protesta y se encontró absolutamente solo. El organizador que lo había llamado le dió la espalda.

Christy Moore & Shane MacGowan(The pogues) Spancil HILL


Poco después formó la Christy Moore Band y abandonó The Moving Hearts ( tan solo estuvo un año escaso) a principios de 1980 emprendiendo la carrera en solitario

Al mismo tiempo que participaba con la nueva banda, estuvo tocando tres noches por semana durante un año entero en un club sudorso de Dublin: The Baggot Inn, una dura prueba más. Y había más protestas, esta vez contra las internaciones del 'H Block'. Christy ayudaba a los que estaban en huelga de hambre.
Era un hombre valiente llegando a expresar en público su repulsa por los atentados del IRA

Christy Moore, Moving Hearts and the Hunger strikes


Christy Moore - Black Is The Colour


En 1996, su disco Graffiti Tongue, no fué muy bien recibido por la crítica lo que le llevó a una gran decepción en cuanto que era su primera incursión como cantautor.

In This Heart - Sinead O'Connor and Christy Moore


Christy bromea siempre diciendo que solo sabe nueve acordes y que los raciona cuidadosamente combinandolos de a tres por canción. Sin embargo, sus acompañamientos de guitarra son extremadamente eficaces. Varían de arpegios de fingerstyle a los crescendos de thrashings ejecutados con pua. Sin embargo, la simplicidad de sus armonías está más que compensada por la delicadeza de sus ritmos. Él utiliza la afinación estándar en su guitarra, cosa que me ha llamado mucho la atención, y más porque lo más normal en la musica tradicional irlandesa es la afinación dadgad o algunas de sus variantes.Supongo que quizás se deba a que una afinación abierta para un cantautor sería empobrecer la melodía, todo lo contrario que cuando se trata de un grupo o una session.


Christy Moore compuso una canción dedicada a los brigadistas irlandeses que lucharon en España, "viva la quinta brigada" y que aparece en el disco editado en 1984 Ride On, tema 3. Me ha emocionado el disco. En el link que he puesto sobre ésta canción además de la letra hay un video impresionante de una actuación en directo de christy moore y "un par de amigos" que interpretan la canción. Dura unos cinco minutos, pero no tiene ni un segundo de desperdicio.


Viva La Quinte Brigada Christy Moore Live at The Point


Discografía:
1969 Paddy On The Road
1972 Prosperous
1974 Cold Blow and The Rainy Night ( Planxty)
1975 Whatever Tickles your Fancy
1976 Christy Moore
1978 The Iron Behind The Velvet
1978 Live in Dublin
1978 H-Block
1979 After the Break ( Planxty)
1980 The Woman I Loved So Well ( Planxty)
1981 Moving Hearts (Moving Hearts)
1982 Dark End of The Street (Moving Hearts)
1983 Words and Music (Planxty)
1983 The Time Has Come
1984 Ride On
1985 Ordinary Man
1986 The Spirit of Freedom
1987 Unfinished Revolution
1988 Compilation USA
1989 Voyage
1991 The Christy Moore Collection (1981-91)
1991 Smoke & Strong Whiskey
1993 King Puck
1994 Live At The Point
1996 Graffitti Tongue
1997 Christy Moore Collection Part 2
1999 Traveller
2001 This Is The Day
2002 Live At Vicar Street
2004 The Box Set 1964-2004
2004 Planxty Live 2004
2005 Burning Times

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HIGHLAND BAGPIPE: TÉCNICA

ALGUNOS VIDEOS DE TÉCNICA PARA ESTE INSTRUMENTO.

PICADOS "Grace notes"


CAMBIO DE MANO CON PICADO DE SOL (notación para Highland Bagpipe)


BATIMENTOS "Strikes"


PICADO DE DEDO ÍNDICE MANO DERECHA "Grips"


PICADO DE TRESILLO DE (SOL RE MI notación HBagpipe) "GDE Grace notes"


"Scotland the brave" Parte 1


"Scotland the brave" Parte 2
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BIOGRAFIAS 4: LIAM O´FLYNN

Un Resumen Biográfico
Liam O´Flynn es el reflejo vivo de una gloriosa tradición de gaiteros que se remonta a trescientos años atrás. Se le ha aclamado como músico muy notable no sólo en su país, Irlanda, sino en un ámbito musical mucho más amplio.
En Irlanda está considerado como el sucesor del gran Séamus Ennis, quien llegó a regalar a Liam su propio instrumento. Su fama ha llegado a ser internacional como miembro fundador del grupo Planxty. Con esta formación, cuya influencia y originalidad aún no han sido superadas, llegó a grabar seis álbumes.





Su extraordinaria aportación al campo de la música tradicional se vio premiada en 1985 con un destacado premio internacional que, a partir de aquel año, se otorga en Irlanda a las personalidades más destacadas del mundo del espectáculo. Además de componer, ha colaborado musicalmente con artistas de renombre internacional y ha participado en las bandas sonoras de diversas películas. Liam O´Flynn no ha dejado nunca de búscar áreas nuevas e imaginativas en la que incorporar el sonido de su gaita

El maestro de uilleann Liam O'Flynn también, cómo no, es del Condado de Kildare. Su padre era profesor y músico de fiddle y su madre le enseñó a tocar el piano. Descendiente de una familia de músicos famosos de Clare, O'Flynn estaba destinado desde muy joven a ser uno de los grandes.

Después de una corta época en la que se dedicó al violín, Liam comenzó con la uilleann. Tenía ante si, al más obstinado y complicado de todos los instrumentos, y por ello fue animado por todos, y sobre todos por el piper Tom Armstrong de Kildare. Impaciente por aprender deprisa, y con la sensación constante de ser mejor dia a dia, con once años empezó en serio las clases con Leo Rowsome..

Muy pronto conseguiría grandes logros imitando a figuras legendarias como Willie Clancy y Seamus Ennis y era consciente de sus posibilidadesdes. Debido a su amistad con Seamus Ennis aprendió que no debía conformarse con ser un piper más, que había mucho más que copiar los estilos de los grandes maestros

Aún en su adolescencia, Liam había comenzado ya a asistir a sessions en Prosperous, una aldea de Kildare. El primer día ya convenció a todos con su destreza y allí conocería a ciertas personas con quienes, más adelante, viajaría por los circuitos de los escenarios del mundo. Los músicos Christy Moore, Donal Lunny y Andy Irvine con los que, a principios de los años 70, formaría el legendario Planxty.



Pero detrás de la innovación y de la experimentación Liam O'Flynn no se ha alejado nunca de sus raices ancestrales. Él se adentró con su instrumento en territorios previamente inexplorados, bién como miembro de Planxty, como solista, con orquesta o trabajando con artistas tan diversos como John Cage, The Everly Brothers, Van Morrison o Kate Bush, pero siempre ha seguido siendo fiel a si mismo en cuanto a la música tradicional de su pais. Y quizás ésta mezcla de credibilidad y constancia hace que Liam O'Flynn sea uno de los músicos más grandes y alguien en quién tomar como referencia y ejemplo por los Uilleann Pipes de Irlanda. (y del mundo, añadiría yo)

" Siempre he pensado, dice Liam, que debe haber sido extraordinario cuando las primeras Uilleann fueron desarrolladas en el siglo XVIII - un instrumento nuevo ,que se vió por vez primera en la feria local, con sonidos extraordinarios y el acompañamiento incorporado. Un instrumento que ocupó muy rápidamente la primera posición entre los instrumentos tradicionales. Todas las casas importantes tenían el instrumento y sus propios pipers. Pipers que tocaban en todas las clases de sucesos al aire libre y que desarrollaban un estilo absolutamente abierto y espectacular"

Liam está siempre buscando terrenos nuevos en los que incorporar el sonido de su gaitas. Con Mark Knopfler participó en la película Cal.

También participó en otras como The Field, A River Runs Through It (con Elmer Bernstein), Kidnapped, y Roses from Dublin (con Vladimir Cosma). Ningún otro Uilleann Piper había tocado antes con orquestas y sin embargo, Liam había alcanzado ya el reconocimiento internacional cuando grabó The Brendan Voyage con Shaun Davey, una gran pieza orquestada que fue seguida de otras tres: Shaun Davey works, Granuaile, The Relief of Derry Symphony y la más reciente, The Pilgrim. Él ha llevado con éxito el sonido de la Uillenann a las salas de conciertos más grandes del mundo.

Liam y Seamus


Otros colaboradores asiduos de Liam son Catherine Ennis, la hija de Seamus Ennis y el laureado premio Nobel Seamus Heaney con los cuales ha intervenido en auditorios alrededor del mundo incluyendo el teatro Gate Theatre de Dublín, el Barbican Centre en Londres y el Lincon Center de New York. Se reunieron por primera vez hace más de una década en una iglesia pequeña en Kenmare, Kerry, y en otros lugares pequeños. Heaney dice de ésta experiencia, " tengo el placer y el orgullo de sentarse junto a un genial instrumentista..El sonido de una Uilleann levanta el ánimo, embriaga y hace que la gente sueñe despierta".

Para Liam, tocar es una experiencia muy especial;"cuando estoy tocando, dice, me pierdo dentro de ella. La única manera de describirlo..., es como mirar hacia adentro. Pienso que cuando un músico engancha con las audiencias, y viceversa, es como un encantamiento recíproco."

Liam O'Flynn ha hecho al rededor de cincuenta grabaciones. Entre sus álbumes más recientes están Out To An Other Side, The Given Note y The Piper's Call. Con la formation The Pipers Call Band, realizó un vídeo muy especial con colaboradores como Carlos Núñez, The Irish Chamber Orchestra, Sean Keane, Matt Molloy, The Chieftains y Mark Knopfler. La banda incluye a músicos como Arty McGlynn, Rod McVey y Steve Cooney.

En 1999, En el London's Royal Albert Hall se celebraba una tarde un especial dedicado a la música irlandesa organizada por la BBC y Liam y su banda the Piper's Call Band fueron elegidos para este acontecimiento absolutamente trascendental.

En 2000 le fue concedida la insignia de oro de la universidad del la Coruña, en Galicia, España, por su contribución a las artes.

El 25 de octubre de 2002, Liam realizó su primera composición musical importante en solitario ' Endurance ' para honrar al explorador polar Earenst Shackleton. y fué comisionada especialmente por el centro de la herencia de Athy y apoyada por el consejo de las artes de Irlanda y del banco de Irlanda.

El 15 de marzo de 2003, Liam apareció en uno de los más nuevos y más grandes festivales de Europa,' Celtique Nuit ' con la orquesta del festival de Lorient. El festival se celebró en Paris, Francia. En el concierto también participaron Carlos Nunez, Alan Stivell y Sinead O'Connor. En junio de éste mismo año participó en la ceremonia de la apertura de los juegos olímpicos de verano llevados a cabo en el parque de Croke de Dublín.
Y en julio, también del 2003, se editó el álbum de Liam y su buen amigo Seamus Heaney 'The Poet and the Piper ' lanzado con la etiqueta de Claddagh.

Y algo tendrá que ver el alma de poeta que hay en este músico comprometido con su cultura por el título de la canción que se muestra en este video y que se relaciona con la película de Ken Loach.

The Wind that shakes the Barley (EL VIENTO QUE AGITA LA CEBADA)



2004/05 han visto el reencuentro de Planxty , con Christy Moore, Andy Irvine y Donal Lunny para una serie conciertos. Si tienen continuación ojalá tengamos la suerte de poder asistir a alguno de ellos.

Redirecciones RapidShare, Megaupload encontradas en la red:

Descarga AQUÍ Liam O'Flynn - The Fine Art of Piping
Descarga AQUÍ Liam O'Flynn - Out To An Other Side (1993)
Descarga AQUÍ Liam O'Flynn - "The Given Note" (1995)
Descarga AQUÍ PARTE 1 AQUÍ PARTE 2 Liam O'Flynn - The piper's call

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Alasdair Fraser & Natalie Hass en Vigo

El grandioso dúo formado por el violinista escocés Alasdair Fraser y la chelista Natalie Haas ofrecerá un concierto en Vigo que se desarrollará en el Centro Cultural Caixanova el día 5 de Junio de 2008.
Es una buena oportunidad para verlos porque solamente tocarán en 4 ciudades españolas.
Aunque ya hemos divulgado un artículo sobre ambos en este blog colgaremos unos cuantos vídeos más.

Haz click para ver el video.

Video 1 Video 2 Video 3 Video 4 Leer más...

SESSION BATALLON 2: 28/02/2008

Continuamos las sessions en el pub "O BATALLÓN" Rúa Martín Codax 17
HORARIO: A partir das 22:00h

Haz click para ampliar la imagen


Algunos videos de youtube en los que se interpretan estas piezas.

1_ Geese in the Bog


2_ Connaughtman’s rambles


3_ Out on the Ocean

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BIOGRAFÍAS 3: DONAL LUNNY

Artículo realizado por "Ángel Tradición"


Donal Lunny nace en Newbridge, Kildareshire, en 1947. Con 16 años pasaba ocasionalmente el día con Christy Moore, su mejor amigo en esa época. La madre de Christy, Nancy, era el corazón y el alma de todos los acontecimientos musicales en la ciudad, Cualquier persona que pasaba por su casa, ella le hacía cantar y por su puesto también lo hizo con Donal que ya corría la música por sus venas. La madre de Donal, originaria de Donegalshire, era una experta en folklore gaélico.




También un día fué a visitar a un amigo que también vivía cerca de su casa, el músico Andy Irvine, que tenía una colección maravillosa de guitarras y de mandolinas. Comenzó a tocarlos, hasta que sus ojos se fijaron sobre un instrumento que nunca había visto antes; un bouzouki. Cuando lo tocó, descubríó que tenía un sonido muy particular; era encantador, extraordinario, diferente. Se enamoró de él, hasta el punto que Andy, viéndole tan entusiásmado, se lo regaló. ... nunca se separaría desde entonces de él.

Con Christy Moore formó un dúo, Rakes of Kildare, donde Donal tocó la guitarra, mientras que Christy escogía las canciones y las cantaba.

Con su primer grupo, él mismo reconoce que fué una imitación a The Clancy Brothers. Iba a las session's cada fin de semana en un pub llamado Pat Downing en Prosperous , donde siempre había músicos tradicionales.Pues como no había otro acompañante, tenía carta blanca con su guitarra. Al principio era terrible, pero mejoró dia tras dia y consiguió implicarse en diversos grupos en Dublin. Uno de esos grupos fué Emmet Spiceland, donde también estaba Mick Moloney,

Después de ésta etapa, Donal descubrió el bouzouki y fué creando su propio estilo dentro de la música tradicional irlandesa, participando por primera vez con el nuevo instrumento en al album "prosperous" de Christy Moore en 1971, en el que también participó Andy Irvine con la mandolina y la armónica y Liam O'Flynn, entre otros. En éste album el bouzouki suena algo modesto aún, aunque no deja de ser un sonido sutil y melódico.

Planxty se formó en 1972 poco después de que Christy Moore recolectase el manojo tan impresionante de músicos para su álbum "Prosperous". Ni ellos mismos ( Donal Lunny, Christy Moore, Andy Irvine y Liam O'Flynn) sabían que harían historia y que a partir de ese momento comenzaría una nueva forma de entenderse la música tradicional irlandesa, también por su puesto por el uso del bouzouki.




Con Planxty grabó:
"Planxty", el primer trabajo en larga duración (LP) en 1972. Asi como en ese mismo año dos Singles: "Three drunken maidens/?" y "The cliffs of doneen/?". En 1973 el album "The well below the valley". En 1974, con la unión Johnny Moynihan graban "Cold blow and the rainy night". Hasta 1979 año en que grabaron "After the break" habían echo una recopilación en "The Planxty collection" cuya fecha no tengo clara. En "After the break" ya estaba en planxty con su flauta y whistle Matt Molloy. En 1980 con el álbum "The woman I loved so well", Donal utiliza por primera vez un sintetizador y Bill Whelan tocando el teclado. "Words & music" se edita en 1982 con Nollaig Casey y James Kelly al fiddle y Eoghan O'Neill al bajo eléctrico. Estos tres últimos discos son producidos por Donal.

Por qué decide dejar Planxty? En cierta ocasión según reconoce él mismo, entró en un estudio de grabación para ayudar a un productor, amigo suyo, y le fascinó la enorme variedad de posibilidades que había allí encerrada, entre el micrófono y la cinta magnética. En ese momento se dijo a sí mismo que no podía limitarse a ser un simple músico. En ese mismo momento encontró la verdadera misión de su vida.

En 1975, Lunny dejó Planxty para comenzar una nueva aventura llamada The Bothy Band con Triona Ni Dhomhnaill, Micheal O Dhomhnaill, Paddy Keenan, Donal Lunny, Matt Molloy, Paddy Glackin, Tommy Peoples y Kevin Burke. Esta formacion es probablemente una de las mejores dentro del panorama de la música tradicional irlandesa en fusión con el rock. Publicaron su primer disco en el año 1975 que titularon "1975: The first album", a este disco siguieron otros como pueden ser: "Best of the Bothy Band", "Live in concert", "Old Hag You Have Killed Me", "Out of the Wind into the Sun" o "After Hours".


Después vendrían The Moving Hearts, banda sobre todo instrumental de fusión de rock/jazz/trad , introduciendo indudablemente una nueva generación en la música irlandesa y con los que participó en festivales en Montreux, Nueva York y el festival de Lorient en Bretaña. Donal dijo que la idea principal del grupo era tender un puente sobre la tradición irlandesa. Grabaron 4 discos. "Moving hearts (1981)", "The dark end of the street (1982)","Live hearts (1983)", "The Storm (1985)", Financieramente la experiencia fué un desastre dejando un buen puñado de deudas. Dieron un concierto de despedida en Dublin en 1990.pero ya se habían disuelto en 1984.


En 1996 le dieron una serie de TV introduciendo cada acto en irlandés.
En 1997 publica "Donal Lunny"
En 1997 viajó a Australia con una nueva banda, Wheels of the World, con John McSharry, Nollaig Casey y Maire Breatnach
En 1998, "Coolfin" Título del álbum y del grupo compuesto por Sharon Shannon (ocasionalmente), Nollaig Casey, John McSharry, Graham Henderson , Ray Fean , Ronnie O'Flynn and Lloyd Byrne.




Su hija Cora Venus es una violinista clásica que se ha visto a menudo en la televisión irlandesa y su hijo Oisin es un percusionista experto del techno.

PINCHA AQUÍ para consultar otra biografía & discografía

Discografía :
The First, Emmet Spiceland, 1968
Planxty, Planxty, 1973
The Well Below The Valley, Planxty, 1973
Cold Blow and the Rainy Night, Planxty, 1974
After The Break, Planxty, 1979
The Woman I Loved So Well, Planxty, 1980
The Bothy Band, 1975
Old Hag You Have Killed Me, The Bothy Band, 1976
Out of the Wind, Into the Sun, The Bothy Band, 1977
Afterhours (Live in Paris), The Bothy Band, 1978
Live in Concert, The Bothy Band, 1976
Moving Hearts, Moving Hearts, 1982
The Dark End of the Street, Moving Hearts, 1982
Live Hearts, Moving Hearts, 1984
The Storm, Moving Hearts, 1985
Common Ground, Donal Lunny and Friends, 1996
Coolfin, Donal Lunny Band, 1998

Redirecciones RapidShare, Megaupload encontradas en la red:

Descarga AQUÍ "Donal Lunny" (1987)
Descarga AQUÍ Donal Lunny: Coolfin
Descarga AQUÍ The Gathering (1983)Paul Brady, Peter Browne, Andy Irvine, Donal Lunny, Matt Molloy and Tommy Potts

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BIOGRAFÍAS 2: KEVIN BURKE

Artículo realizado por "Ángel Tradición". Videos añadidos por Abraham Fdez.




El Comienzo
Comencé a tocar el violín cuando tenía siete u ocho años. Mis padres decidieron enviarme a un profesor de música para que me diese lecciones con la intención de averiguar si tenía habilidad, o deseo de adquirirla por mi mismo, con dicho instrumento. Esta estrategia pareció dar bastante buen resultado, porque cuando sentí que realmente quería tocar, tendría 12 o 13 años, yo ya había desarrollado algunas capacidades básicas muy provechosas.


Mi profesora de música era Jessie Christopherson (ninguna relación con Kris, que conste). Jessie vivía relativamente cerca de nuestra casa en S.E. Londres y a mi me parecía una mujer muy mayor aunque elegante que rondaba los sesenta años. Y su casa me parecía tan vieja y elegante como ella. Mucho más grande que la nuestra y bastante más oscura aunque ella resultó ser una gran profesora. Su método era bastante estricto, ( aún recuerdo sus instrucciones dando gritos!!) pero pronto pude descubrir a una amable anciana por encima de todo y que la música lo era todo para ella. Hasta entonces la impresión que tenía de los músicos que se dedicaban a lo clásico era de gente que no había probado ningún otro tipo de música y quedé muy impresionado cuando descubrí que ella disfrutaba con grupos nuevos como The Who y The Rolling Stones.
Revelaciones
Jessie Christopherson me daba lecciones de Violín y al mismo tiempo yo aprendía sobre el Violín en casa con la colección de grabaciones de mis padres y amigos de la familia, músicos en su gran mayoría. Pensé que sería una buena idea llevarle a Jessie algunos libros de melodía irlandesa y que me enseñara con ellos. A ella le gustó la idea y poco después ya había aprendido varias melodías tradicionales de violín entre mis lecciones. ¡Pero había un problema, cuando ellos tocaban, me parecía que lo hacían de manera muy extraña, y no solo porque fuese yo un principiante!. Entonces trajimos a Jessie hasta la casa y tocamos sobre algunas de las grabaciones de música tradicional irlandesa y le preguntamos por qué ellos tocaban de manera tan diferente de como yo tocaba. Ella explicó que lo que estaba escrito en las partituras era muy diferente a lo que nosotros estabamos acostumbrado a oir y tocar en casa. Esto fué una ¡revelación! ¡Comprendí que no se debe creer todo lo que se lee y que realmente no sólo se debe aplicar a los periódicos! Así como una partitura no dice, por tanto, cómo deben hacerse los sonidos a los que llaman música. Esto dió lugar a " la Búsqueda ".
Descubrí que los músicos irlandeses tenían muchos recursos ornamentales que no estaban escritos en las partituras. Por otra parte Jessie me había enseñado que solo se debe tocar tal y como está escrito, ni más ni menos.
¡De los músicos irlandeses aprendí a tratar una partitura simplemente como una guía para agregar apuntes.Ellos también tenían una gran variedad de términos que nunca había oído mencionar en mis clases de Violín - shakes, rolls, crans-, y otras palabras que usaban de vez en cuando, palabras extrañas como "The Nyaah" y "Corfibbles". " El Nyaah ", al parecer, era muy importante. ¡Nadie parecía tener claro lo que significaba, pero de lo que estaban convencidos era que sólo los músicos buenos lo tenían y de no tenerlo usted no servía para ser músico. Esto era muy difícil. ¿Dónde colocaría yo ese "Nyaah"?, ¿Dónde podría encontrarlo?. Bien, algunos de los músicos más viejos me aconsejaron y me animaron que debería seguir tocando, "que me volcase y le diese al arco". Me aconsejaron "torcerlo y girarlo" y con el pié "golpeara el suelo" y me dijeron algunas cosas más.
Todo esto, junto a lo que Jessie me contaba sobre la música era demasiado para mi. Pero era consciente que gradualmente iba tocando cada dia mejor. Un dia oí a alguien decir: ¡Él tiene el Nyaah! Yo no sabía lo que era, no sabía que yo lo tenía, no sabía dónde lo había encontrado, pero le creí.
Una de las cosas el que Jessie dijo y que quedó grabado en mi mente era sobre Michael Coleman. Nosotros habíamos tocado canciones de grandes músicos,pero ella lo seleccionó solo para oirle y me dijo " Él había encontrado el alma de su instrumento ". ¡Nadie nunca me había dicho antes que éstos instrumentos musicales hasta tenían almas! ¡Era una apasionante noticia, otra revelación!
Juventud malgastada
Con trece o catorce años comencé a frecuentar los pubs, una o dos veces por semana ,acompañado generalmente de mis padres o de algunos amigos de la familia, para oír las sesiones e incluso quizás para tocar. La mayoría de la gente en estas reuniones era gente irlandesa típicamente rural que hablaban de su música, cantaban y bailaban y eran gentes divertidas de gran hospitalidad. A mi me encantaba todo aquello.
Estoy seguro que muchos de nuestros vecinos ingleses, de haberse enterado, habrían reprochado a mis padres muy severamente el que me dejasen entrar en estos lugares siendo yo tan joven, pero cuando miro hacia atrás, veo que formó una parte muy importante en mi educación. En ese ambiente aprendí su lengua , su amor por la música y el baile, y su respeto por la historia, la tradición y los rituales. Eso era una gran lección para un adolescente. Era un gran equilibrio, muy diferente al bombardeo de la comercialización de la "cultura" que la mayoría de los jóvenes tiene que soportar hoy dia.
Pronto comencé a tocar con una banda: The Glenside Ceili Band, y a tocar casi cada fin de semana en varios Irish Dance Halls cerca Londres. Mis noches favoritas eran cuando grupos de bailes hacían sus demostraciones al son de nuestra música. Era muy emocionante tocar para ellos y realmente incrementaba la energía de la música.
En 1966 participamos en el All-Ireland Fleadh in Boyle, Co. Roscommon y aunque a muchos no les entusiamó el resultado, fuimos los ganadores.
En el Oeste
Comencé a prestar atención a la música de la que hablaban mis compañeros de clase y fuí sabiendo del Blues, Ska, R&B y oí hablar de Bob Dylan y su música, y me impresionó su entrega a denunciar las injusticias sociales a las que hacían referencia las letras de sus canciones. Eran verdaderas narrativas dramáticas, como muchas de las canciones tradicionales que yo había oído. Pensé que era muy interesante que Dylan se nutriera de varias tradiciones para inspirarse, la irlandesa, canciones inglesas, escocesas, así como las canciones de Blues de su país. Otra de las influencias principales de Dylan era, desde luego, Woody Guthrie y comencé a prestar un poco más de atención a la música de Woody. Empecé a darme cuenta que las canciones podrían ser tan poderosas como un discurso social y me preguntaba si la música instrumental tendría un poder similar.
Obviamente una melodía es más abstracta que una historia con palabras pero estaba convencido que la música era una materia muy poderosa. Mientras consideraba todo esto oí tocar a Jimi Hendrix y él confirmó mis sospechas sobre el poder de la música. Realmente no reparé demasiado en las letras de sus canciones, el sonido de su guitarra fué lo qué me cautivó. Inmediatamente recordé a mi profesora de música, Jessie Christopherson, y lo que ella me dijo sobre Michael Coleman, " Él encuentra el alma de su instrumento ".
A pesar de toda esa cantidad de música que viene de EU nunca me sentí lo suficientemente motivado como para visitar América. Aunque sabía lo grande que es, la cantidad de coches que hay, los edificios tan altos que tiene... Entonces un día, trabajando en un pub de Miltown Malbay in Co. Clare oí una música que interpretaban unos visitantes americanos. Me acerqué. Ellos descubrieron la funda de mi violín y me pidieron tocar alguna melodía. Entonces lo hice. Entablamos una buena conversación y resultó que uno de estos tipos era Arlo Guthrie, el hijo de Woody. Arlo y sus amigos John Pilla, Gil Gilbeau, Jeffie Outlaw y algunos otros habían venido a Inglaterra, y decidieron visitar Irlanda durante unos días buscando nuestra música, recalando en Miltown. El tiempo era excelente, (quiero decir que no llovía). Fuimos al pueblo vecino de Quilty y estuvimos sentados en los acantilados la mayor parte del día disfrutando de la luz del sol, el aire del mar y la música que cada uno aportaba.

2 VIDEOS RELATIVAMENTE ACTUALES:
VISITAR: Kevin Burke and Cal Scott Fiddle and Guitar
VISITAR: Kevin Burke and Cal Scott Fiddle Tunes

Pocos dias después se marcharon y cada cual siguió su camino pero no mucho tiempo después recibí una carta en la que me invitaban a ir a EU y tal vez grabar algún tema con Arlo. Decidí aceptar la invitación. Cuando llegué a Nueva York me sentí muy foráneo pero tuve la suerte de encontrar al gran acordeonista de Galway Joe Burke, que por unos dias me acogió en su casa. El hecho fué que un par de horas después de haber aterrizado en N. York, me encontraba en un apartamento en el Bronx en el que uno de los músicos que había era Andy McGann. ¡No me lo podía creer!. Yo admiraba la manera de tocar de Andy desde hacía años, y jamás había pensado en la posibilidad de encontrarlo. Pero ahí estaba, tocando como si tal cosa.
Unos dias más tarde me dirigí al Oeste, a Massachusetts, a la casa de Arlo.
De vuelta a Dublin
A la vuelta de EU y para ganar un poco de dinero me uní a un grupo llamado "Lazy Reel" y junto a Tom Madden y Chris Andretti, tocamos por los clubs de folk y pubs de música irlandesa en Inglaterra. Cuando el grupo se rompió, Christy Moore, que también había dejado a Planxty, se puso en contacto conmigo para que me uniera a su nuevo proyecto. Pensar que iba a regresar a Irlanda me emocionó, así que me trasladé a Dublín y me uní a la banda de Christy en la que permanecí un par de años. Jimmy Faulkner y Declan McNelius eran otros miembros del grupo que mayormente tocaban con guitarras acústicas, pero alguna que otra vez, Jimmy enchufaba su Fender Stratocaster, Declan su bajo Fender, y con Robbie Brennan en la percusión pasamos algunas noches inolvidables. Christy, su esposa Val, y su hermana, Eilis me cuidaron muy bien mientras estuve allí. Un día recibí la visita de Donnal Lunny y Matt Molloy que vinieron a convencerme para que me fuese con ellos a su Bothy Band.
No mucho después de estar en Dublín, Christy me había hablado de la Bothy pero después de ésta visita-invitación me hice un gran admirador de la banda. Al principio tenía la impresión de que solo iría para rellenar el hueco que iba a dejar su violinista Tommy Peoples por unos dias, pero pronto comprendí que la marcha de Tommy era definitiva y que había una plaza disponible si me interesaba. Dije que iría encantado para sustituir a Tommy por unos dias pero si era para más tiempo tendría que hablarlo con Christy primero antes de tomar ninguna decisión. Christy me llamó y me dijo que estaba loco si rechazaba la oportunidad de unirme a una gran banda y me deseó todo lo mejor.





Durante cuatro años, Micheal O Domhnaill, que también estaba en la Bothy, y yo tocabamos mucho juntos; hasta el punto que cuando el grupo se disolvió Micheal y yo seguimos tocando como duo y grabamos un álbum:"Promenade" que tuvo buena acogida y decidimos hacer algunos conciertos en EU. Nos establecimos en Oregon por recomendación de un cantautor amigo mio que conocí en mi primer viaje e hicimos allí otro disco que se llamó "Portland". Unos años más tarde, Micheal formaría el grupo "Nightnoise" junto al violinista norteamericano Billy Oskay.
DISCOGRAFIA:
En solitario:
-If the Cap Fits 1978
-"Up Close" 1983
-"In Concert" 1999
Con Micheal O Domhaill
-Promenade
-Portland
Con Jackie Daly
-Eavesdropper
Con The Bothy Band
-Old Hag You Have Killed Me
-Out of the wind into the sun
-After Hours
Con Patrick Street
-Patrick Street
-No. 2 Patrick Street
-Irish Times
-All in Good Time
-Corner Boys
-Made in Cork
-Live from Patrick Street
-Compendium - The Best of Patrick Street
-Street Life
Con Open House
-Open House
-Second Story
-Hoof and Mouth
Con The Celtic Fiddle Festival
-The Celtic Fiddle Festival
-Encore
-Rendezvous

Evidentemente todo esto es lo que se cuenta en:

La Web Oficial de Kevin Burke

Redirecciones RapidShare, Megaupload encontradas en la red:

Descarga AQUÍ Kevin Burke - Sweeney's Dream: Fiddle Tunes from County Sligo
Descarga AQUÍ Kevin Burke & Michael O'Domnhail - Portland
Descarga AQUÍ Kevin Burke And Jackie Daly - "Eavesdropper" (1981)
Descarga AQUÍ Kevin Burke & MÃ*cheál Ó'Dhomhnaill - "Promenade" (1979)
Descarga AQUÍ Kevin Burke's Open House - Hoof And Mouth (1997)
Descarga AQUÍ PARTE 1 AQUÍ PARTE 2 Kevin Burke - If The Cap Fits
Descarga AQUÍ Kevin Burke - Up Close
Descarga AQUÍ Kevin Burke & Michael O'Domhnaill - In Concert (1992)
Descarga AQUÍ Kevin Burke & Cal Scott - Across the Black River (2007)

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PARA GUITARRISTAS: DADGAD

INTRODUCCIÓN A LA AFINACIÓN ABIERTA.

Comienzo y primer video realizado por Pachu Cuesta.

DESCARGAR TABLATURAS

DADGAD es el nombre de una de las afinaciones alternativas a la standard más extendida y difundida. Este vídeo del gran guitarrista Pierre Bensusan explica alguna de sus características y versátiles aplicaciones.




Hace más de 30 años, el guitarrista inglés Davey Graham desarrolló una de las afinaciones más atractivas y versátiles para la guitarra: la DADGAD (Comúnmente denominada “Open D” u “Open tunning”. Graham lo inventó cuando vivía en Marruecos para facilitar su digitación acompañando a intérpretes de “oud”. A su vuelta a Inglaterra, la afinación Dadgad rápidamente ganó la popularidad entre los guitarristas británicos de música tradicional, entre ellos John Renbourn, Bert Jansch, y Jimmy Page. Más tarde, la Dadgad se hizo convirtió en la afinación favorita del gran guitarrista francés Pierre Bensusan.

Una de las particularidades principales de la Dadgad son las sonoridades ricas, y parecidas a un arpa que se producen tocando acordes relativamente fáciles. Ya que esto explícitamente no declara una modalidad (como en los acordes de Re Mayor y Sol Mayor al estar exenta la tercera del acorde), aún así la Dadgad puede ser utilizada para tocar una gran variedad de tonalidades y modos.

Las cuerdas al aire en la afinación DADGAD producen un bordón de Re (que puede funcionar como Dominante, Subdominante o Tónica) realizando posiciones cercanas y facilitando la agilidad y rapidez en acompañamientos virtuosos, canciones modales y tiene un relleno tímbrico y armónico único.

Para iniciarse en la afinación DADGAD baje la 6ª cuerda de su guitarra un tono (afinándola en RE).También baje la 2ª cuerda un tono (afinándolo en La) y la 1ª cuerda se bajará un tono también (bajándolo de la nota Mi a la nota Re).
Para compensar la afinación de su guitarra en DADGAD empareje el 7º traste de la 6ª cuerda con la 5ª cuerda al aire. El 2º traste de la tercera cuerda con la segunda cuerda al aire. El quinto traste de la segunda cuerda con la primera cuerda al aire.

RE LA RE SOL LA RE
ESCALAS Y ACORDES.

Sin duda no tiene nada que ver con la afinación estándar EADGBE (Mi LA RE SOL SI MI).
Existen otro tipo de afinaciones muy utilizadas en el folk que sufren menos cambios como es el caso de la afinación Dropped D “Drop D” (a la que tan solo se le baja un tono a la sexta cuerda) DADGBE (RE LA RE SOL SI MI). Está claro que la Drop D tendrá más similitudes con la afinación estándar y por lo tanto resultará más fácil de aprender.

Si ustedes tienen problemas para asimilar la nueva afinación les puede servir de ayuda pensar que las 4 cuerdas graves de la (DADG)AD son las mismas que en la afinación “Drop D” (DADG)BE.
Si prefieren compararla a la afinación estándar, los acordes sobre la 3ª, 4ª y 5ª cuerda son iguales.

En DADGAD las cuerdas medias tienen la misma función que en la afinación “Drop D” o en la afinación estándar (crean un intervalo de 4ª justa) 5 trastes. Simplemente están afinadas un tono por debajo de la estándar. Por consiguiente cualquier melodía que ejecutes sobre estas cuerdas tendrás que moverla 2 trastes hacia arriba para producir el mimo sonido.

Si usted intenta experimentar esta nueva afinación siguiendo estos consejos observará que es una introducción muy básica a una afinación totalmente diferente.
No insista en trasladar todas sus melodías y sonoridades de acordes de la afinación estándar a ésta porque tampoco es el cometido de la DADGAD.
Experimentará nuevos bordones, acordes diferentes y sonoridades totalmente nuevas para su oído. Es cuestión de adaptarse a ellas.

Primero aprenderemos las escalas de Re Mayor y Re menor en la primera posición.
Practique las escalas hasta que queden bien asimiladas.
Notará que ambas escalas utilizan todas las cuerdas abiertas.
Esto es conveniente para que empiece a pensar como se construirán los acordes desde esas notas.

También he hecho el diagrama de unos cuantos de acordes en DADGAD para las tonalidades de Re Mayor y Re menor. En la tonalidad de Re Mayor, los acordes principales son Re Mayor, Mi menor, Fa# menor, Sol, La, y Si menor. En la tonalidad de Re menor, los acordes principales son Re menor, Fa , Sol menor, La menor, Si bemol, y Do. En cada acorde te darás cuenta que los arpegios suenan muy agradecidos y la variedad armónica es riquísima. ¡Esperemos que te inspire!









Hay variaciones ilimitadas de acordes. He hecho el diagrama de unos cuantos para comenzar. Después de que usted domine estos, experimente tocando nuevos acordes. Con un poco de esfuerzo, usted encontrará algunos acordes interesantes que son fáciles de ejecutar.

Después de que usted haya pasado algún tiempo tocando Re mayor y Re menor, debe probar la tonalidad de Sol. El primer paso para trabajar sobre Sol consiste en practicar la escala que le muestro debajo. La escala Principal de Sol también utiliza todas las cuerdas abiertas.

Después, trabajaremos sobre posiciones de acordes en Sol. Los acordes principales son Sol, La menor, Si menor, Do, Re, y Mi menor. Debajo de usted encontrará varios SOl, DO, y RE que suenan bien en DADGAD. Ya hemos visto otras posiciones para Sol, Do y Re en los diagramas de los acordes de Re Mayor y Re menor. Las posiciones alternativas para otros acordes de la tonalidad de Sol son (La menor, Si menor, y Mi menor) que también las podemos ver en los diagramas de Re Mayor y Re menor.





En un acorde menor, los sextos y\o séptimos grados de la escala a son interpretados medio tono más altos. Hablemos de los modos Dórico y el menor melódico y armónico. El ejemplo 3 muestra la escala de Dórica de Re (la escala de Re menor con el Si natural) para prepararos para mi arreglo " Twin sisters”. "También he incluido los diagramas de los acordes necesarios para la melodía.

El Inglés Martin Carthy realizó una versión más alta que la DADGAD para emparejar mejor su voz con la guitarra. E A D E A E (MI LA RE MI LA MI) , a la afinación que él ha creado la llaman “A pipe”. La relación existente entre las cinco cuerdas graves de la afinación creada por Carthy es la misma que las cinco cuerdas agudas de la DADGAD. Todos los acordes son idénticos, pero situándolo una cuerda más abajo. Una vez que usted ha aprendido sus acordes y las escalas en DADGAD resulta relativamente fácil pasar a “A pipe”.

Otra variación interesante del DADGAD es el “ Thrird Hand Capo” realizada por la “Third Hand Capo Company” Este sistema le permite obtener el sonido de DADGAD sin tener que volver a afinar las cuerdas. Este sistema posee 6 elementos individuales (uno para cada cuerda que los transporta a esta afinación y por lo tanto le ofrece más confortabilidad al músico al no tener que pararse a cambiarla.


Para producir la afinación DADGAD con el Third Hand Capo, colocaremos la cejilla en la 3ª,4ª y 5ª cuerda (SOL, RE y LA)en el segundo traste. Levantamos las tuercas de la 1ª, 2ª y 6ª cuerda. Esto en realidad produce la E B E A B E, que es el equivalente a la DADGAD al colocar la cejilla en el segundo traste.

La ventaja de usar el Third Hand Capo consiste en que usted estará tocando la escala y los acordes de la afinación estándar pero con las ventajas de la sonoridad de la afinación DADGAD (cuerdas abiertas).
Los guitarristas Chris y Harvey Reid, entre otros, usan el Third Hand Capo obteniendo grandes resultados.

Aquí tenéis los 20 primeros compases de “Twin Sisters” una canción de Doc Watson y Merle Watson que se grabó en el disco Down South (Sugar Hill 3742). Doc interpreta la melodía con la púa mientras Merle toca el clawhammer banjo.Merle utiliza la afinación “Mountain minor” equivalente a la afinación DADGAD para la guitarra.El arreglo del tema “Twin Sisters” se puede encontrar en el libro Mark Hanson’s book The Art of Solo Fingerpicking, Accent on Music.



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Piano & Folk

Artículo realizado por Alberto Ablanedo y reconfigurado por Abraham Fdez.
En los últimos años vienen apareciendo una serie de trabajos de música tradicional escocesa interpretada casi exclusivamente al piano. Si bien no es del todo inusual encontrar cds de este estilo dentro de la música irlandesa (de músicos como Michéal O Suilleabhain o Carl Hession), en Escocia parece un fenómeno reciente y es interesante detenerse en él.
Michael O Suilleabhain: Woodbrook


More O'Suilleabhain, Keegan, & Joyce





A primera vista puede que el nombre de Andy Thorburn no suene demasiado, pero este pianista (y tambien compositor y productor) ha trabajado con decenas de artistas y grupos como Wolfstone, Ceolbeg, Blazin' Fiddles, Mouth Music, The Ghillies, Peatbog Faeries o Gavin Marwick & Ian Hardie. Thorburn publicó a principios de 2005 un cd de música tradicional interpretada exclusivamente al piano. Sin invitados ni más instrumentos. El cd incluye temas tradicionales, jigs, reels, un vals y unas cuantas composiciones realizadas para obras de teatro, incluyendo el tema Marni Swanson of the Grey Coast, una de sus más célebres composiciones, que ha sido interpretada y popularizada por gente como Duncan Chisholm o Ian Hardie.


Puede que el cd anterior haya abierto las puertas a otros músicos para desarrollar una tarea similar con el mismo instrumento. A principios del presente año aparece en el sello Greentrax el primer cd de James Ross,producido por Brian McNeill. Ross estudió música escocesa en la Royal Scottish Academy of Music and Drama de Glasgow y después estudió música irlandesa con el anteriormente citado Micheal O Suilleabhain. El cd incluye múltiples temas tradicionales y composiciones como Spaghetti Panic, del zanfonista Nigel Eaton. James Ross se acompaña de unos pocos músicos selectos como James McKintosh (batería), Martin O'Neill (bodhran), Mary Hayburton (contrabajo) y Sue MacKenzie (saxo), pero el piano es el protagonista absoluto del trabajo. En la actualidad, Ross se encuentra inmerso en varios trabajos como compositor de orquesta.


Finalmente, en Septiembre de este año aparecera el primer cd del pianista Sandy Meldrum, titulado Scottish Piano Fusion. En esta ocasión parece que nos vamos a encontrar con un cd más ecléctico que los dos anteriores, aunque sea sólo mirando a los otros músicos que aparecen en él: Phamie Gow, Fergie MacDonald, el también pianista y productor del cd David Milligan o el últimamente omnipresente gaitero Stuart Cassells. Con títulos como The Ferret Set, (sin duda la famosa composición de Gordon Duncan Andy Renwick's Ferret), Piano Jigging, Scottish Piano Jazz Fusion, Gaelic Piano with Boxes, Classical Fusion o Bagpipe Piano Jazz, parece que nos vamos a encontrar con un cd bastante diferente de los dos anteriores. A lo peor puede ser un intento relativamente infumable, pero en el mejor de los casos (y viendo a los músicos que participan esto parece más probable) nos encontraremos ante un trabajo muy interesante.

Quizá merecería la pena hablar aquí también de artistas más conocidos como David Milligan o Angus Lyon, pero eso será un tema para otro momento.

'18 Months Later' recording sessions with Angus Lyon
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NIckel Creek

Artículo realizado por Alberto Ablanedo

Nickel Creek es un grupo estadounidense que, aunque empezó en el mundo del bluegrass, va mucho mas allá de las fronteras de su estilo. El grupo está formado por los hermanos Sara y Sean Watkins (violín y guitarras respectivamente) y Chris Thile (mandolina), a los que se suma un contrabajista, que suele ser Mark Schatz. El grupo se formó en 1989 cuando los hermanos Watkins conocieron a Chris y a su padre, que tocó el contrabajo en el grupo durante largo tiempo.



Los dos primeros albums del grupo están descatalogados y no tienen ninguna intención de reeditarlos. Probablemente no se corresponden con el sonido actual del grupo, pero asi todo estos dos cds llegan a venderse por $100 en Ebay y sitios similares. En el 2000 firman con Sugar Hill Records y publican su primer album (homónimo) en una compañía discográfica importante. El cd es producido por Alison Krauss, que también produjo el segundo album, This Side. This Side es una verdadera obra maestra plagada de temas absolutamente pegadizos que a la vez tienen unos acompañamientos muy trabajados y armonías rompedoras. Este disco reportó una candidatura a los premios Grammy y el consiguiente premio en 2003. En 2005 publican Why Should the Fire Die, que ahora están promocionando.
Los temas del grupo van desde las melodías de bluegrass más típicas hasta temas de grupos indies como Pavement (Spit on a Stranger de This Side). Ultimamente hasta están haciendo una verión de Toxic de Britney Spears en los directos a modo de broma. La forma de tocar la mandolina de Chris Thile, que tan pronto pasa de hacer contramelodías a acompañamientos, complementa perfectamente el estilo impactante de guitarra de Sean Watkins. Los tres miembros del grupo cantan, siendo normalmente (pero no siempre) Sean y Sara los solistas. De un estilo más bien instrumental en Nickel Creek han pasado a otro dominado por los temas cantados. Y no ha sido precisamente para peor.
El grupo define su música simplemente como "acúsitica", pues bebe de tantas fuentes que es realmente dificil de encasillar en un estilo. Como perfecto ejemplo de los temas que hacen, debajo se puede ver un video de la canción que da a nombre al segundo trabajo discográfico de Nickel Creek en Sugar Hill Records. A cualquier persona que le guste la buena música le encantará este grupo.


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Vídeos de: Alasdair Fraser & Natalie Haas - In the moment

Tras el premiado "Fire & Grace" como Álbum del año por la Scots Trad Music Awards en 2004 vuelve a la carga el dúo formado por el violinista Alasdair Fraser y la violonchenista Natalie Haas. Siguiendo la línea del disco anterior, todos los temas están interpretados por ellos dos solos, con la salvedad de la participación de la gaita de Eric Rigler y el piano de Hanneke Cassel en momentos concretos. Todos los temas de este nuevo disco son originales, escritos por Alasdair y Natalie, aunque dentro de algún tiempo dejarán de serlo y se convertirán en temas tradicionales escoceses.



En los siguientes videos podemos ver algunos temas del nuevo disco. El primero es el que abre el trabajo y se titula "Valley of the moon Reel". El segundo se titula "Salamanca", lleva ese nombre porque fue compuesto allí. El tercero (se trata del mítico Calliope House) y pertenece al disco anterior.







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Vídeos de: Alasdair Fraser & Skyedance en concierto

Grabaciones del CD "Live in Spain". Teatro Gayarre Pamplona-Iruña 25.09.2000
Alasdair Fraser: Violin
Chris Norman: Flauta
Eric Riegler: Gaita irlandesa
Paul Machlis: Piano
Peter Maund: Percusión
Mike Linden: Bajo
Joxan Goikoetxea: Acordeón

THE SPARK & WAY OUT TO HOPE STREET


VALS DE FRONTENAC


IRON BOXWOOD


TXORIA TXORI (con Mikel Laboa)


TAIL TODDLE FINALE


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GAITA Y ORQUESTA ¿POR QUÉ NO?

Que sirvan estos vídeos para demostrarle a los responsables de las orquestas de este país que los músicos del folk gallego tienen calidad suficiente como para afrontar este gran reto. Y le llamamos reto porque "ellos" son los verdaderos acomplejados, y la verdadera responsabilidad sigue siendo de ellos al no mostrar interés en contar con la participación de nuestros mejores solistas ni de darle la oportunidad a los alumnos de gaita de los conservatorios de Galicia para participar en las clases de orquesta.

Como siempre nos valoran antes fuera que en nuestra propia tierra.
La primera obra de gaita gallega y orquesta la compuso un irlandés llamado Shaun Davey.
El mismo responsable de obras maestras como la B.S.O. "The Brendan Voyage" o "The Pilgrim" en las que han participado Carlos Núñez y otros.

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Violín Clásico & Fiddle

En este documental tenemos la oportunidad de ver que los/as grandes intérpretes de violín clásico no menosprecian el folk en sus proyectos, existe un gran respeto entre ambos.
En este video veremos a Rachel Barton, prestigiosa violinista acompañada por la Orquesta Filarmónica de Chicago (de las mejores del mundo) y al gran violinista folk Alasdair Fraser







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La técnica del "chop"

Artículo realizado por: Milena

Existe una técnica de arco actual que nada tiene que ver con los golpes de arco tradicionales, y su desarrollo transforma el violín en un soporte armónico suficiente para acompañarse solo o acompañar a más instrumentos. Esta técnica deriva de un ritmo llamado "chop", que es una técnica de fiddle de bluegrass. El "chop" (literalmente:corte) está basado en la utilización rítmica del sonido que se produce al bajar y subir el arco en vertical en una zona muy pegada al talón.En este video del violinista Alex dePue se puede ver un ejemplo del uso de esta técnica.




Hoy en dia esta técnica está en pleno desarrollo, la usan violinistas como Christian Howes, Billy Contreras, Darol Anger,Casey Driessen, Julie Lyonn Liebermann, Richard Greene...
Darol Anger tiene un DVD llamado "Chops&Grooves", en el que participa también Cassey Driessen, y en él explica una manera de coger el arco en el talón con una ligera curvatura del pulgar "hacia adentro" como una posible manera de lograr la verticalidad necesaria para realizar el sonido rítmico y percusivo que caracteriza el chop. Este DVD puede adquirirse a través de su web, que además cuenta con un foro en el que se le puede escribir con cualquier duda o consulta acerca de instrumentos, técnica, música....son muy interesantes las preguntas y respuestas que se pueden leer en este foro. Julie Lyonn Liebermann también tiene material didáctico que se puede adquirir en el Amazon, un DVD llamado " Rhythmizing the bow".
En el siguiente vídeo se puede escuchar a Christian Howes y a Billy Contreras.



Lección de Darol Anger sobre el chop

Darol's "Chop" lesson

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Fiddle Sessions

Mel Bay, una editorial americana, especialista en didáctica de instrumentos como la guitarra, el violín, la mandolina, el banjo, etc...tiene portales específicos de cada uno de estos instrumentos, aportando en ellos información de gran utilidad.
Los artículos son de lo más variado, abarcando aspectos técnicos, pasando por diferentes estilos, todo con material audiovisual, partituras, etc...Tiene una periodicidad bimensual, y también aprovechan para publicitar todos sus materiales y libros que merece la pena echar un vistazo.
No dejéis de visitar: FIDDLE SESSIONS

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Fiddle Fork

La página Fiddle Fork es un sitio indispensable para los que les guste el fiddle. Por un lado es un portal de discusión habilitado como foro que sirve como punto de encuentro e información entre violinistas de música irlandesa, bluegrass....en definitiva, de fiddle, y por otro, permite descargarse midis, partituras y bases del band-in-a-box, para lo que sólo es necesario realizar un registro gratuito.
Además, la página cuenta con una parte comercial, donde venden temas en mp3 y videos didácticos, y tiene también un buscador de Amazon con búsquedas relativas a esta materia.

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BIOGRAFIAS 1: ANDY IRVINE

Andy Irvine, la tradición de Irlanda.

Si la música tradicional irlandesa como se entiende hoy dia fuese un edificio, uno de los pilares fundamentales sería Andy Irvine.
"Andy Irvine nació en Londres el 14 de Junio de 1942. De padre escocés y madre irlandesa, siguió muy pronto los pasos de ésta por lel teatro apareciendo en algunos films y participando en obras de teatro hasta 1964, año en el que se volcó por completo a la música.




Aproximadamente a los 15 años había descubierto al cantante folk de los Estados Unidos, Woody Guthrie y a partir de ahí jamás perdió el interés por la musica folk, en especial la de Irlanda.

Desde su primer grupo “Sweeney's Men” de mediados de los 60, pasando por “Planxty” de los 70’s (practicamente no hay banda de folk irlandés de estos días que no esté influenciado por ellos), hasta el actual grupo de super-estrellas “Patrick Street” y su carrera como solista, Andy es un ícono de la música tradicional y un referente para los nuevos músicos.
Con la banda Sweeney’s Men introdujo el bouzouki en la música irlandesa a mediados de los 60 .Johnny Moynihan, uno de sus miembros, había vuelto con uno como “souvenir” de un viaje a Grecia (el bouzouki es un instrumento de cuatro cuerdas dobles, de la familia del laúd, de origen griego). Andy rápidamente adoptó este instrumento como propio, cambiándole la afinación (Sol, Re, La, Re) para que se ajustase mejor a la música irlandesa. Él mismo se lo hizo conocer a Donal Lunny, quien también lo eligió rápidamente como su principal instrumento. Desde entonces el “Irish Bouzouki” fue aceptado por completo dentro de la música tradicional de Irlanda. Incluso su uso se expandió en todos los países con raíces "celtas" de Europa y América del Norte. En España, por ejemplo su uso es casi “obligatorio” en las bandas folk como la de Carlos Nuñes, Milladoiro, Luar na Lubre, Llan de Cubel o Felpeyu, (estando éstas dos últimas, fuertemente influenciadas por el sonido irlandés).

A principios de los 70' colabora en la creación de "Planxty" cuyo espíritu trasngresor, captura la atención de la juventud irlandesa, que hasta ese entonces casi ignoraba por completo su música folklórica. La fórmula del grupo era infalible: las canciones interpretadas tanto por Andy como por Christy Moore, (los dos vocalistas del grupo) eran arregladas con sutiles y complejos entramados de cuerdas (mandolina, bouzouki y guitarra) a cargo de Andy y Donal Lunny, de modo que no perdían su carácter tradicional y cobraban una nueva vida. A su vez, los temas instrumentales (danzas: jigs, reels, hornpipes) eran interpretados por Liam O’Flynn con gaita irlandesa (uillieann pipes) y Matt Molloy en flauta (que se sumó a Planxty a partir de su cuarto trabajo. Años despues pasaría a ser miembro de The Chieftains), y recibían un tratamiento similar; cobrando una energía muy cercana a la que trasmite una banda de rock actual pero usando casi los mismos instrumentos que se usaban hace tres siglos.
Desde ese entonces la música folk irlandesa encontró un nuevo camino, el que sigue hasta nuestros dias.


Dentro de sus obras cumbres, se encuentra un disco que grabó junto a Paul Brady (“Andy Irvine & Paul Brady”) mayormente compuesto por canciones provenientes de la tradición del norte de Irlanda. Este trabajo es considerado un album seminal dentro del folk. También es destacable el trabajo que hizo junto al cantante y guitarrista escocés Dick Gaughan. (“Parallel Lines”).

De su carrera como solista, hay un CD de especial importancia para la escena tradicional internacional de nuestros días (curiosamente su único trabajo que no es de folk irlandes), aunque para el momento en que se editó, ni siquiera él lo sabía... Se trata de “East Wind”, que grabó junto al gaitero irlandés Davy Spillane, trabajo que aborda desde un punto de vista muy personal la música de Europa del este.
Andy se enamoró de esta música en un viaje de 18 meses que hizo por los Balcanes en su juventud (“en ese entonces todos se iban a la India... y yo decidí probar algo diferente...” - comentaría mas tarde). La idea del disco era tocar música balcánica con instrumentos irlandeses, balcánicos y también modernos. El productor de ese trabajo fue Bill Whelan, un afamado músico y arreglista irlandés. Mucha gente recordarán el espectáculo de baile “Riverdance” y su secuela “The Lord of the Dance”. El compositor de esa obra es el mismo Bill Whelan y en reportajes posteriores, Bill reconoció a “East Wind” como una de sus principales inspiraciones. Escuchando el disco se nota claramente que esto fue asi.

Su última banda "Patrick Street" nació cuando un productor se propuso juntar a cuatro “superestrellas” del folk irlandés y hacer una gira por Estados Unidos. Los músicos en cuestión eran el acordeonista Jackie Daly, el violinista Kevin Burke , el guitarrista Arty McGlynn, y Andy Irvine
La gira y la química entre los músicos fue tan buena que decidieron formar una banda. Si bien todos sus integrantes tienen proyectos por separado, ya cuentan con 9 CDs editados bajo el nombre de Patrick Street.

De Andy se dice que es la tradición en sí misma y uno de los inventores del folk inglés, yo no diría tanto, pero si uno de los pioneros que sigue en la vanguardia de la música tradiconal. Viajero incansable sigue dando recitales por todo el mundo y dando talleres de su instrumento preferido del cual es un maestro.


Haz click aquí para consultar otras biografías.

Redirecciones RapidShare, Megaupload encontradas en la red:

Descarga AQUÍ Andy Irvine & Paul Brady (1976)
Descarga AQUÍ PARTE 1 AQUÍ PARTE 2 Andy Irvine - Rude Awakening (1991)
Descarga AQUÍ Andy Irvine - Rain On The Roof (1996)
Descarga AQUÍ PARTE 1 AQUÍ PARTE 2 Andy Irvine - Way Out Yonder (1999)
Descarga AQUÍ PARTE 1 AQUÍ PARTE 2 Andy Irvine - Rainy Sundays...Windy Dreams 1989

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BANDAS MÍTICAS 2. -THE BOTHY BAND-

The Bothy Band

Hace tres décadas, la música irlandesa tradicional experimentó un gran impulso, sin embargo la "Bothy" solo duró cinco años y la música irlandesa fué diferente desde entonces. The Bothy Band se ha caracterizado por su sonido único y firme basado en la fusión del rock'n'roll con la música tradicional. Ninguno de los grupos irlandeses actuales tendría razón de ser de no haber existido. Por lo tanto no existirían ni ¡¡Altan, ni Dervish, ni Lunasa!!....



A principios de los años 70, una década de vendimia para la música y la canción, los músicos sin arraigos en música tradicional empezaron a interesarse en ésta música que a su vez se fué fusionando con las influencias americanas y centroeuropeas. Parecía casi inevitable que emergiera un nuevo sonido. Llegaron grupos como Planxty, cuyo sucesor indiscutible fué The Bothy Band.

En las primeras formaciones del grupo tenemos a Skara Brae (primera formación que puso armonías vocales a las canciones gaélicas ).El único álbum de éste grupo "Skara Brae" se grabó en 1970 y se publicó en 1971 y reeditado en 1998. Pero éste trabajo demuestra el buen sentimiento y entendimiento entre los hermanos Ní Dhomhnaill ( Triona, Maighread y Mícheál), que junto a Dáithí Sproule pusieron la primera piedra de lo que poco después sería la "Bothy".

El álbum comienza con "Cailin Rua" y tiene una versión encantadora de"Cad é sin don té sin" . Temas que aparecerán en los trabajos de Altan, Dervish, etc...Su versión de la canción de amor hermosa pero triste "Tá mé ' Mo shuí" descubre su propio interior,( Me encanta la versión de Altan recogida en Blackwater e interpretada magistralmente por la voz que me enganchó a ésta música, la de Mairéad Ní Mhaonaigh. Si alguien sabe dónde encontrar ese disco, que no deje de decirmelo, debe ser una verdadera joya).


La Historia
Paddy Keenan (Uilleann Piper) comenzó tocando en Dublin con Micheal (Guitarra)y Triona Ni Dhomhnaill (voz). Poco después se unirían con el fiddler Paddy Glackin y el flautista Matt Molloy. Después vendrían Tony MacMahon (acordeón que abandonaría el grupo poco después para dedicarse a la Radio y la TV) y Donal Lunny (Bouzouki). Se llamaron "Seachtar", palabra irlandesa que significa "siete". Debutaron en un concierto en el Trinity College de Dublín, en febrero de 1975.
Parece ser que Micheal O Domhnaill había vuelto de un viaje por Escocia, trayendo de allí una fotografía que había sido tomada en 1890 de un grupo de músicos andrajos.The Bothy Band se titulaba la foto, en referencia a los trabajadores irlandeses que emigraron para trabajar a Inglaterra y Escocia y a cuyas casas, construidas con piedras, (más bién serían chozas de piedras), le llamaban Bothies.

Antes de fin de año Glackin ya se había ido para ser substituido por Tommy Peoples quien participó en la grabación del "The Bothy Band 1975".
Los conciertos y las grabaciones de la "Bothy" tuvieron sus toques vocales, ilustrada a menudo por el almacén extenso de Neilli Ni Dhomhnaill (tía de Micheal y Triona) en un repertorio todo tradicional irlandés con algunas piezas escocesas. Pero la agresividad de la Uilleann que Paddy Keenan esgrimía, el vigor impresionante y personalísimo con que Tommy Peoples atacaba su Fiddle, el irresistible y poderoso brío que Matt Molloy trabajaba con los dientes cuando soplaba su flauta, y el ritmo frenético no exento de una gran técnica que Lunny con el Bouzouki fundía todos estos elementos en una gran armonía, jugó un papel crucial. Un ejemplo de ésto es el tema que colgué The Kesh

Alguien duda después de oirla que no se pueda meter caña solo con instrumentos tradicionales???
Este cocktail de músicos dió lugar al lanzamiento de una energía musical impresionante y explosiva que pocas veces ha sido igualado. Sus conciertos eran vivos y devastadores y junto con el lanzamientos del álbum ganaron muchos seguidores muchos de los cuales eran amantes o conocedores de la música popular sin ningún interés especial.(Ver a esta gente en plena faena debió ser una experiencia inolvidable).
Indiscutiblemente, su acercamiento innovador a la música representada, siguiendo los pasos de Planxty, combinando lo tradicional con los nuevos ritmos es un ejemplo más de la "urbanización" de la música rural irlandesa.
Era la música que movió a artistas tales como Bob Dylan, Paul Simon y Emmylou Harris para buscar en sus álbumes la maravilla en la potencia del fuego instrumental de la banda y para declararse sus seguidores incondicionales .

Así como Planxty había adaptado el formato clásico de lo tradicional en sus arreglos instrumentales, la "Bothy" fue aún más lejos y conjugó la energía de los ritmos del rock'n'roll con material tradicional e instrumentación acústica.
Después de un año de trabajo y montones de conciertos,Tommy Peoples se va y queda Kevin Burke como fiddler principal de la Banda.

Casi como una versión irlandesa tradicional de "Yardbirds" (Grupo importante londinense de blues-pop-rock de los años 60's por donde pasaron los legendarios también Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page poco antes de formarse Led Zeppelin), era el trio formado dentro de la "Bothy" por Peoples, Glackin y Burke. El primero por su agresiva manera de tocar el Donegal y Burke que lo sustituyó poco después, era menos impetuoso, de alma suave, estando más cercano al modelo del gran Michael Coleman, pero no menos brillante. Decía que le gustaba la exactitud, el tono adecuado, algo asi como "la dosis de azucar en el té"

Después de "The Bothy Band 1975" la formación lanzó dos álbumes más: "Old Hag You Have Killed Me" (1976), disco de una gran variedad donde hay un principio muy sutil de armonías multivocales en el tema 2 "Fionnghuala", que dura cinco minutos y pico. Para poder colgarla he tenido que recortarla hasta dejarla en minuto y pico aunque he intentado conservar lo mejor de las distintas partes de la canción. espero que no se note mucho :-D ( el ruido que se oye de fondo supongo que será del plástico un poco rayado ). (Según una leyenda irlandesa Fionnghuala era una de los cuatro hijos de Lir que fueron transformados en cisnes) y "Out of the Wind, Into the Sun" (1977). Ya eran sin duda todos ellos conscientes (los hermanos Micheal y Triona Ni Dhomhnaill, el genial Donal Lunny, el rey de los tubos Paddy Keenan, el virtuoso flautista Matt Molloy, y el violinista brillante Kevin Burke) que estaban en la cumbre y que eran un grupo admirado por todos, imitados por muchos, y sobrepasados por ninguno. En ésta época ya eran una gran banda.

En 1979 saldría "After Hours", trabajo en directo grabado en París.
Conseguida la credibilidad tradicional de su música se convirtieron en aquellos tiempos en los únicos rivales directos de The Chieftains, que eran más austeros y perceptiblemente más distantes.

Pero ni todo el calor del mundo ayuda a un grupo plagado de grandes artistas con problemas directivos y financieros. Los proyectos comenzaron a desvanecerse poco a poco. Antes de fin de 1978, el imperio se derrumbó.

Los que pasaron por la "Bothy"
Triona Ni Dhomhnaill - Vocals, Harpsichord, Clavinet, Harmonium, Electric Piano, Bodhran (1974-79)
Micheal Ni Dhomhnaill - Guitar, Vocals (1974-79)
Donal Lunny - Bouzouki, Guitar, Bodhran, Synthesizer, Vocals (1974-79)
Tony MacMahon - Accordion (1974)
Paddy Glackin - Fiddle (1974)
Tommy Peoples - Fiddle (1975)
Kevin Burke - Fiddle (1976-79)
Matt Molloy - Flute, Tin Whistle (1974-79)
Paddy Keenan - Uilleann Pipes, Tin Whistle, Low Whistle (1974-79)
Peter Browne (Uilleann Pipes 1976, sustituto de Paddy Keenan)
Discografía:
The Bothy Band (1975)
Old Hag You Have Killed Me (1976)
Out of the Wind, Into the Sun (1977)
After Hours - Live In Paris (1979)
Best of the Bothy Band (1983)
Live in Concert (1994)

Redirecciones RapidShare, Megaupload encontradas en la red:

Descarga AQUÍ el primer concierto en directo en directo (ripeado de cassette)
Descarga AQUÍ The Bothy Band - 1975
Descarga AQUÍ The Bothy Band - Old Hag You Have Killed Me (1976)
Descarga AQUÍ Bothy band - After hours 1979
Descarga AQUÍ The Bothy Band - Out Of The wind Into The Sun (1977)
Descarga AQUÍ 1691 (Pre Bothy Band) - Irish Folk Songs (1972)

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BANDAS MÍTICAS 1. -PLANXTY-

Planxty


Cuando cuatro músicos se encuentran en una misma encrucijada y disfrutan a tope cuando tocan juntos, es una circunstania muy especial que hay que aprovechar al máximo. ¿Y cómo se disfruta más?. Pues haciendo una propuesta en común que les permita que aquello que les hace sentir bien dure lo máximo posible.
De ésta manera nace Planxty, el primer "Supergrupo" irlandés.





¿Y qué puede pasar entonces?. Puede ocurrir que una nueva historia se esté empezando a escribir y que el suceso acabe siendo único y premonitorio de un tiempo que estaría por llegar.
Planxty acabará siendo uno de los grupos más importantes e influyentes de Irlanda, que trajo un nuevo estilo, innovación y devolvió la frescura que nunca debió perder a la música irlandesa y además sería el hilo conductor directo a las muchas historias musicales irlandesas durante las décadas que siguieron.
Andy Irvine,Donal Lunny, Christy Moore y Liam O'Flynn forman Planxty justo después de la publicación del disco "Prosperous" de Christy Moore, unas sesiones quizás poco ensayadas pero en cualquier caso, fué donde coincideron estos cuatro genios. Una mezcla explosiva de guitarra y bodhran (Christy Moore), bouzouki (Donal Lunny) y mandolina (Andy Irvine) combinada con la uilleann de Liam O'Flynn, algo de flauta y por supuesto las voces de de Andy y Chrsty, dieron un nuevo giro a la forma de oir y entender la música tradicional irlandesa en los años setenta combinando el sonido más tradicional con los sonidos de los nuevos tiempos, donde el rock´n roll hacía estragos y añicos las viejas tradiciones musicales de todo el mundo.

Hay que decir que las cuerdas ( guitarra, mandolina y bouzouki) no eran instrumentos propios de ésta música donde lo fundamental era el fiddle, el bodhrann, el whistle y la gaita irlandesa, sustituida después por la uilleann y que como toda musica tradicional el objetivo principal era el acompañamiento para el baile.
Con todo, conquistaron en poco más de tres meses a toda Irlanda, yendo como teloneros de Donovan, al que acabaron quitando todo el protagonismo. La gente se quedaba conmocionada ante aquella forma de interpretar las viejas baladas tradicionales.Un público acostumbrado
a grupos acartonados como los Clancy, incluso Dubliners olían a maestros de escuela. Pero Planxty hacían todo aquello más accesible, su generación era la del rock´n roll y ellos lo hacían sin electricidad pero con pasión juvenil.
Por tanto, nuevos ingredientes que producían un sonido único y precursor donde todas las bandas actuales tanto británicas como del resto del mundo beben o han tenido su primer referente. Por destacar algunos de los influenciados podríamos citar a, The Bothy Band, The Clancy Brothers o los cantautores Bob Dylan o Ewan MacColl


Antes de que se me olvide hay que reseñar que Donal Lunny también toca la guitarra y el sintetizador, así como Andy Irvine, además de la mandolina tambien es guitarrista y bouzoukista, por lo que las posibilidades de las combinaciones de instrumentos entre ellos era inagotable.
Planxty es una palabra irlandesa que se utiliza para honrar o agradecer algo a alguien aunque también parece ser que el nombre quizás se lo pusieron por un viejo ritmo del arpista ciego O´Carolan del siglo XVII.
Discografía
Enseguida vino un primer disco, un single:
"The Cliffs of Dooneen" (1972) de gran aceptación por la crítica editado con Polydor Records. La conexión que había entre los cuatro empezaba a dar sus frutos. Mientras tanto seguian disfrutando viajando y dando conciertos por Irlanda, las islas británicas y toda Europa.
Ese mismo año editaron también el LP "Planxty" producido por Phil Coulter y otro single: "Three drunken maidens"
En 1973 editan "The well below the valley" también producido por Phil Coulter

A partir de aqui, el grupo comienza a moverse y en 1974, con el trabajo "Cold blow and the rainy night" aparece por primera vez un elemento nuevo, Johnny Moynihan (bouzouki, fiddle, tin whistle y voz)


Lunny fué substituido por Johnny Moynihan y Moore se fué siendo substituido por otro cantautor/compositor de gran talento, Paul Brady, aunque seguirían participando en las grabaciones, y en el caso de Lunny, produciendolas también.
Entre 1975 y 1979 el grupo sufre un paro en su actividad que casi les hace desaparecer.

Mientras tanto se edita
"The Planxty collection", una recopilación de sus discos anteriores y cuya fecha ni siquiera lo tiene claro Tara Music, asi que yo menos.
en 1979 graban un nuevo disco: "After the break" producido por Donal Lunny.

(Johnny Moynihan había abandonado el quinteto emprendiéndo un nuevo camino con De Dannan) En éste nuevo trabajo ya cuentan con Matt Molloy que a su vez había dejado a The Bothy Band (flauta y whistle) y que le da un nuevo aire a la formación
1980: "The woman I loved so well", nuevo álbum producido por Donal Lunny y Brian Masterson y con nuevos componentes: Noel Hill (concertina) Tony Linnane (fiddle) y Bill Whelan (teclados), acompañan a Christy Moore(vocals,guitar y bodhran),Donal Lunny(synthesizer, bouzouki y voz), Liam O'Flynn (uileann pipes y whistle,Andy Irvine (bouzouki,mandolina,harmonica y voz) y Matt Molly (flauta).

En 1981 sale un maxi-sigle llamado "Timedance", que parece ser editado para Eurovisión por Wea del cual no tengo ninguna referencia más.
En 1982, editan el que sería el último larga duración: "Words & Music", producido también po Lunny donde, además de Moore, Lunny, O'Flynn y Andy Irvine, participan Bill Whelan (teclados), James Kelly (fiddle), Nollaig Casey (fiddle) y Eoghan O'Neill (bajo eléctrico).
2004, año del reencuentro discográfico de los principales artífices de Planxty ( Irvine, Lunny, Moore y O'Flynn)
Se comenta que "Live 2004" es un disco innecesario aunque lleno de esplendor, de alquimia interpretativa entre cuatro músicos que respiran al unísono y se dejan oler mutuamente sin reservas.
Esta vieja reunión de amigos permite apreciar el progreso individual. La sonoridad de 2004 es tan brillante de comienzo a fin que los viejos aficionados a Planxty, que recuerden algún directo antiguo, se sorprenderán. Se puede escuchar el aullido de la audiencia cuando Liam arranca en la obertura "The Starting Gate" con la gaita irlandesa que cubre todo un mundo de sonido y emoción. Luego Christy canta "The Good Ship Kangoroo", Irvine destila "Arthur McBride" y Christy de Nuevo se desborda en "Little Musgrave" una balada antigua de terribles consecuencias que se extiende a los nueve minutos y que es la mejor prueba del esplendor duradero de Planxty. No faltan "The Blacksmith", "West Coast of Clare", las piezas balcanicas de Andy Irvine y el climax del concierto en el puente que media entre "Raggle Tagle Giypsy" y "Tabhair Dom Do Lamh", cuando la entrada de Liam O´Flynn y su gaita orquesta levantan esta música a las alturas.
La posición de los cuatro en el presente es variada. Christy Moore, tras sufrir un infarto hace unos años ha decelerado y apenas ofrece conciertos encadenados, pero su voz airada y tierna a intervalos, mantiene las virtrudes antiguas. Liam O´Flynn, el gaitero, es una institución en la isla y en todo el mundo "celta". Disfruta dando recitales con el poeta Nobel Seamus Heaney. Donal Lunny ha producido 150 trabajos ajenos. Su actividad es imparable y sus discos propios mantienen el espíritu de Planxty y la Bothey Band.( Se rumorea que anda retirado en Japón donde contrajo matrimonio). Andy Irvine, es parte del supergrupo Patrick Street. Muy crítico con la industria musical ,autoedita sus propios discos y es aún capaz de hechizar a una audiencia en solitario como hizo en Bilbo hace unos años en el ciclo Musiketan.
Para finalizar dejamos un documental del grupo:







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La Ornamentación en la Música Tradicional Irlandesa, Escocesa...

La Ornamentación en la Música Tradicional
Por Victor Dolls.
Reconfigurado por Abraham Fdez.

Hay una cosa que suele llamar bastante la atención a la gente que escucha por primera vez este tipo de música: los adornos, por llamarlo de alguna manera, todos esos “gorgoritos” que se oyen.



La ornamentación en la música irlandesa y escocesa se basa en la ornamentación de la música de gaita. Si tenemos en cuenta que la gaita es un instrumento de viento en el que la articulación de la música por medio de la lengua es imposible, no nos debe extrañar que utilice notas más cortas (mordentes) para separar dos o más notas iguales, así que en un principio lo que solo eran unas notas muy cortas que separaban a otras notas, fueron evolucionando hasta llegar a convertirse en una larga serie de adornos, que aparte de tener una función práctica (la de separar notas de la misma afinación) tienen también una función meramente ornamental, para embellecer la música.
Hay un gran número de adornos que son comunes a todos los instrumentos, como el mordente (cut) o el roll, pero también existen otros que son específicos de instrumentos como el caso del bowed triplet (tresillo que se realiza con el arco) en el violín o el cran (separación de tres notas iguales utilizando tres mordentes distintos) en la gaita o la flauta.
En este artículo vamos a ver en qué consisten los adornos, tanto comunes a varios instrumentos como alguno especifico.


GRACE NOTE o CUT


Es una nota muy rápida que apenas coge tiempo de la nota a la que precede. En castellano se le llama mordente. El cut es siempre más agudo que la nota a la que precede y su función básica consiste en separar dos notas iguales. Lo podríamos traducir como corte, pues su función es esa misma, la de cortar las notas.



Es un adorno práctico pues está pensado para separar dos notas que de otra manera no podríamos separar (recordemos que se originó a partir de la gaita y su música),aunque también lo podemos encontrar como simple adorno al final de una serie de notas ascendentes, afectando generalmente a la última nota que corresponderá a un tiempo fuerte.


De la misma manera no es raro encontrarlo adornando una nota que caiga en tiempo fuerte de una serie de notas descendentes.


TAP o STRIKE
Es, como el adorno anterior, un mordente. Su principal característica es que es mas grave que la nota que acompaña y su función es la misma que la del “cut”: separar dos o más notas iguales. Lo podemos traducir como golpe, ya que su ejecución se asemeja a un pequeño golpe sobre los agujeros destapados de la flauta o la gaita.


Cuando en una melodía encontramos dos notas iguales y después de la segunda la siguiente nota es más aguda, en los instrumentos de viento (gaita o flauta) se suele utilizar el tap para separar esas notas.


ROLL

El es una combinación de los dos adornos anteriores: separa tres notas utilizando un cut y un tap.
Se escribe así:


Y se toca:


Además del roll normal, que solo separa tres notas, existen otros dos tipos de roll: el medio roll (half roll) y el roll largo (long roll).
El medio roll consiste en la separación de solo dos notas utilizando un cut y un tap.
Se escribe:


Y se toca:



El roll largo separa cuatro notas iguales utilizando dos cuts y un tap o un cut y dos taps.
Se escribe:



Y se toca:








CRAN
El cran es un adorno exclusivo de los instrumentos de viento como la Gaita Irlandesa o la Flauta travesera. Es un adorno que solo afecta al Re y al Mi graves y agudos y consiste en la separación de tres notas por medio de dos cortes.


También existe el cran largo, que se utiliza para separar cuatro notas por medio de tres cortes.


El cran se utiliza en sustitución del roll debido a la imposibilidad de hacer sonar notas más graves que un Re en la Gaita Irlandesa (recordemos que un roll está formado por un corte y un golpe, y este último debe ser más grave que la nota a la que adorna).
En principio el cran era un adorno solo de Gaita Irlandesa pero se dice que pasó a la flauta de la mano de Matt Molloy, el gran flautista de Roscomon.

Matt Molloy

SLIDE
Este es un adorno cuya única función es el simple adorno de la nota. En teoría musical se le conoce como glisando. Y consiste en el paso de una nota grave a otra más aguda mediante un paso gradual de una nota a otra.
Se suele utilizar mucho en temas lentos, donde da carácter de “fluidez” al sonido.


DOUBLE GRACE NOTE
Al igual que el slide, este es un adorno cuyo fin es la simple ornamentación. Consiste en la ejecución de dos mordentes seguidos.


Se realiza tanto en series ascendentes como descendentes de notas.


TRIPLETS
En castellano se conocen como tresillos. El tresillo consiste en hacer sonar tres notas en el tiempo de dos.


En general, el tresillo que más se utiliza es el que incluye las notas Si-do-re


En la música de violín se realiza un tresillo de tres notas iguales, que se dan contres golpes de arco.




También encontramos tresillos de dos notas diferentes.





Toda esta serie de tresillos se conoce con el nombre de “bowed triplets” que podriamos traducir como tresillos hechos con el arco. Muchas veces el violinista utiliza el bowed triplet en sustitución del roll.

Fragmento de un reel con rolls


El mismo fragmento con "bowed triplets"


En instrumentos donde no es posible hacer un roll, como en el banjo tenor o en la mandolina, se utilizan los mismos tipos de tresillos que acabamos de ver en el violín, pero evidentemente en lugar de tocarlos con el arco se tocan con la púa.

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LA FLAUTA IRLANDESA

- La Flauta Irlandesa -
Por Victor Dolls.
Reconfigurado por Abraham Fdez.





El nombre de Flauta Irlandesa es una invención de finales del siglo XX cuando diversos artesanos comenzaron a construir flautas bajo esta denominación. Realmente, la flauta irlandesa actual es descendiente directa de la flauta travesera de madera del siglo XIX, antes de la reinvención de la flauta por parte de Theobald Böhm cuya flauta metálica desplazó a la de madera en las orquestas y conservatorios.
La flauta que empezó a utilizarse en Irlanda para tocar música tradicional era la flauta travesera de madera de ocho llaves en su modelo inglés, debido a la cercanía geográfica. A pesar de que todas eran el mismo tipo de flauta con la misma afinación y las mismas llaves, se puede decir que existían tres variedades principales de flauta atendiendo a variaciones en el tamaño de los agujeros o la forma de la embocadura: la inglesa, la francesa y la alemana (obviamente la flauta metálica de Böhm queda excluida de esta clasificación ya que era metálica) . El inglés era el modelo con los agujeros más grandes y por tanto con un mayor volumen, por eso el sonido actual de la flauta irlandesa es tan elevado en volumen.

Anatomía

La flauta irlandesa suele dividirse en tres o cuatro tramos (dependiendo de si el cuerpo se divide o no): cabeza, cuerpo y pie.

La cabeza
Cabeza de flauta fabricada por Marcus Hernon


En la cabeza encontramos la embocadura, es decir el agujero por donde introducimos el aire a la flauta. Podríamos decir que este es el agujero más importante de la flauta ya que gracias a él se genera la columna de aire que producirá el sonido.
También encontramos el barrilete de afinación (en inglés tuning slide) que nos permite afinar la flauta alargando o acortando la longitud de la cabeza deslizando el barrilete.

El cuerpo
Cuerpo de dos partes


En este tramo encontramos los agujeros 6 melódicos, aquellos que al taparlos o destaparlos producen las notas. También podemos encontrar las llaves que sirven para tocar notas que de otra manera no podríamos tocar.

Las llaves

Flauta modelo "Rudall and Rose" de Potter. De ocho llaves (Foto obtenida de la web de Terry McGee)

Hay notas que una flauta irlandesa se no puede tocar o no tienen una digitación cómoda por lo que son difíciles de tocar. Estas son las notas alteradas, es decir, los sostenidos y los bemoles.
Las llaves nos permiten tocar esas notas de una manera cómoda y eficaz. Además también nos permiten tocar de una manera más eficaz notas que, aunque las podemos tocar en una flauta sin llaves, como el do natural (tercer espacio en el pentagrama) no suenan totalmente afinadas o están faltas de volumen o estabilidad.
Las llaves que podemos encontrar en una flauta irlandesa son (de abajo a arriba): Do natural , Do#, Re#, Fa natural corta, Fa natural larga (estas dos llaves producen la misma nota pero tienen diferente longitud y posición en la flauta), Sol#, Si bemol, Do natural.
Podemos encontrar flautas con números muy variables de llaves aunque las tres versiones más comunes de una flauta con llaves son:
La flauta de 5 llaves: Re#, Fa natural corta, Fa natural larga, Sol#, Si bemol.
La flauta de 6 llaves: Re#, Fa natural corta, Fa natural larga, Sol#, Si bemol y además la de Do natural.
La flauta de 8 llaves: Do natural, Do sostenido, Re#, Fa natural corta, Fa natural larga, Sol#, Si bemol, Do natural.

El pie
Es el último tramo de la flauta y puede ser de dos tipos: largo o corto.
El pie largo: también se le llama pie de DO (C foot) ya que posee dos agujeros (agujeros de afinación) que si los tapásemos (con ayuda de las llaves de Do# y Do natural) sonaría la nota DO natural.
Pie largo con llave de Re# de una flauta fabricada por Terry McGee


El pie corto: también se le llama pie de Re. Al contrario que el pie largo, el pie corto no posee ningún agujero adicional (a parte del orificio interno se entiende).
Pie corto con llave de Re# de una flauta fabricada por Terry McGee


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EL TIN WHISTLE

El Tin Whistle

Artículo realizado por Victor Dolls.




Tal vez sea este el instrumento irlandés más extendido en el mundo gracias a su bajo precio (tal vez la media ronde los 8€). Pero esto no significa que sea un instrumento de fácil aprendizaje, cualquiera puede arrancarle unas cuantas notas y decir que toca el tin whistle pero de ahí a dominar el instrumento hay un abismo.
El nombre completo del instrumento es Tin whistle pero también utilizaré la palabra whistle, así que no te resulte extraño ver ambos nombres refiriéndose al mismo instrumento. El nombre tin whistle proviene de su morfología y de los materiales con que está construido: tin en inglés significa metálico; actualmente no todos los whistles se fabrican de metal, también los hay de plástico e incluso de madera. Whistle significa silbato, es obvio el por qué, ¿no?
También se le denomina Penny Whistle aunque en menor medida (en realidad casi nadie utiliza ese término para referirse al instrumento. Penny significa penique, se supone que esto es porque antiguamente estos instrumentos costaban un penique, de ahí el nombre de penny whistle (silbato de un penique).
No es extraño encontrarlo en tiendas de instrumentos musicales etiquetados bajo el nombre de flageolet; suele pasar en tiendas donde no conocen muy bien el instrumento o no tienen idea de lo que están vendiendo. Muchas veces los mismos fabricantes son los que venden el instrumento bajo el nombre de flageolet y si no mira esta foto en la que se muestra un expositor de la casa Generation, una de las que más whistles vende ¿Alguien sabe por qué hace esto?.


Para que puedas entender un poco mejor el papel del whistle en la música irlandesa, aquí tienes unas cuantas cosillas que te ayudarán.

Breve apunte sobre el flageolet
El flageolet es una flauta de pico que ya se conocía en el siglo XVI y que se utilizó hasta finales del siglo XVIII. Su particularidad reside en que posee cuatro agujeros para los dedos en la parte anterior del instrumento y dos agujeros para los pulgares localizados en su parte posterior. Además el instrumento podía tener llaves, que variaban en numero y forma.
Supuestamente fue inventado por el francés Juvigny en el siglo XVI para posteriormente popularizarse su uso en Inglaterra en el siglo XVII donde se llegaron a publicar métodos para el instrumento. Uno de estos libros fue el New Lessons and Instructions for the Flagelet (Londres, 1675 o 1682).
El auge del instrumento llegó hasta el siglo XIX cuando se construían instrumentos dobles o triples, es decir con dos o tres tubos melódicos. Estos tubos se perforaban en paralelo en una pieza de madera, los tres tubos se comunicaban en la parte superior del instrumento y compartian la misma boquilla.
Si quieres ver unas cuantas fotos, pincha en los enlaces de abajo.


• Flageolet fabricado por F. Noblet en Paris alrededor del año 1825. Observa los cuatro agujeros anteriores.


• Flageolet francés del siglo XIX con llaves.


• Flageolet doble del siglo XIX.




Anatomía


Para poder definir una anatomía del tin whistle primero debemos distinguir los distintos tipos de whistles que podemos encontrar.

De una pieza y metálico.
Este tipo de instrumento se puede considerar como el más tradicional. Es todo de metal, construido en una única pieza. Generalmente, son cónicos, lo que les da un sonido más suave que el resto de whistles.

Metálico con la cabeza de plástico.
Estos son los más comunes. Tienen un cuerpo de metal con la cabeza de plástico pegada al cuerpo. Su forma suele ser cilíndrica, aunque no es raro encontrarlos también cónicos. Como la cabeza está firmemente pegada al cuerpo, casi los podríamos considerar de una pieza.

De plástico, afinable o no.
Los más famosos entre estos whistles son los Susato. Están fabricados enteramente en plástico y con forma cilíndrica. El término afinable hace referencia a si se puede afinar o no; esto se puede hacer si la cabeza no está fija al cuerpo y podemos hacer que se deslice sobre la superficie de unión, alargando o acortando la longitud del instrumento y afectando así a su afinación. Esta cualidad es muy útil a la hora de tocar con más instrumentos, ya que el tin whistle no suele ser una joya de la afinación y siempre necesita un toquecito para ponerlo a punto.
www.susato.com

Partes de un tin whistle.
Sean afinables, de plástico, metálicos, cilíndricos, ... todos los whistles tienen unas partes en común: la cabeza y el cuerpo.
Cabeza: aquí encontramos la boquilla por donde soplamos y el bisel, que es el lugar donde choca el aire que introducimos por la boquilla y se forma la columna de aire que producirá el sonido.
Cuerpo: en el cuerpo están situados los agujeros que nos permiten tocar las diferentes notas. Dependiendo de los agujeros que haya tapados o destapados, la columna de aire del interior del instrumento tendrá una longitud determinada y generará así una nota concreta.

¿Cómo funciona un whistle afinable?
Como ya hemos dicho anteriormente, un whistle es afinable si podemos deslizar la cabeza sobre el cuerpo, la zona donde se unen cabeza y cuerpo está pensada para que se pueda deslizar: el cuerpo encaja dentro de la cabeza, y así ésta puede deslizarse fácilmente. Esto nos permite alargar o acortar el whistle afectando directamente a la columna de aire haciendo que esta sea más larga o más corta. Cuanto más larga sea la columna de aire, más grave será el sonido; cuanto más corta, más aguda. La distancia que debemos deslizar la cabeza sobre el cuerpo no será mayor de unos milímetros.

Afinación.
El tin whistle más común es el que está afinado en Re. Decimos que está afinado en Re porqué al tapar todos los agujeros la nota que produce es Re, su nota más grave; así podemos determinar la afinación de un whistle sabiendo cual es la nota más grave que produce.



Prácticamente podemos encontrar whistles en casi cualquier afinación. El más agudo que podemos encontrar es el tin whistle en Sol.



Es casi imposible encontrar whistles más agudos por motivos de tamaño: si el whistle en Sol ya es difícil de tocar debido a su tamaño (es muy pequeño, con los agujeros muy juntos entre sí), imagínate uno todavía más agudo. Así encontraremos whistles en Fa, Mi, Mi bemol, Re, Do, Si bemol, y así en progresión descendente.

Llegados a este punto debemos hacer una referencia al low whistle. El low whistle es un tin whistle con una afinación más grave, ya está. No le busquemos más pies al gato.


Pero ¿dónde termina un tin whistle y empieza un low whistle? La respuesta es sencilla: si la afinación más alta para un tin whistle es el Sol (segunda línea del pentagrama), también lo será para un low whistle pero una octava más grave, así el low whistle más agudo es el afinado en Sol.


En cuanto a la afinación más común para un low whistle, ¿adivinas cuál es? ¡Exacto! ¡Es Re!


También podemos encontrar low whistles en muchas afinaciones, pero la más grave que encontraremos será Si bemol, aunque no es imposible encontrar un low whistle en La pero se hace muy dificil tocarlo debido a la separación entre sus agujeros, solo apto para manos grandes (o muy grandes).
Veamos ahora el motivo de tantas afinaciones en el tin whistle (olvida de momento el low whistle).
La diferencia entre, por ejemplo, un tin whistle en Re y otro en Si bemol es simplemente su tesitura. Una melodía tocada en un whistle en Si bemol, sonará dos tonos más grave que la misma tocada en un whistle en Re y una melodía interpretada en un whistle en Mi bemol sonará un semitono más aguda que la misma tocada en un whistle en Re.
Esta diferencia de tesituras nos permite tocar una melodía de diversas maneras. Si la tocamos en un whistle en Mi bemol sonará más brillante que en un whistle en Re; si por el contrario la tocamos en un whistle en Si bemol o La, sonará más oscura y apagada, con un timbre muy suave.

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RITMOS IRLANDESES

Tipos de melodías en la música tradicional irlandesa
Articulo realizado por Victor Dolls y reconfigurado por Abraham Fdez.

En Irlanda encontramos básicamente las mismas variedades de temas que en Escocia pero con un estilo distinto, podríamos decir que con una manera de tocar más fluida. En todo el país hay zonas en las que el repertorio es diferente o abunda más un tipo concreto de danza, como por ejemplo la zona de Sliabh Luachra en el condado de Kerry al suroeste del país, donde la pieza más tocada es la polka. Veamos a continuación los tipos más comunes de danzas:



Reel
Tal vez sea el genero más tocado junto con las jigas. Se trata de una danza con compás de 4/4 en el que la figura predominante es la corchea. Aqui tienes un reel, Nine Points of Roguery La velocidad de interpretación suele ser rápida, aunque podemos encontrar el slow reel que se trata de un reel tocado a velocidad mucho más lenta que uno normal. El slow reel es una pieza para ser escuchada más que para bailarla.
Se supone que el reel es originario de Escocia y de aquí paso a Irlanda de la mano de emigrantes escoceses. Encontramos que muchos reels son comunes en repertorios de músicos escoceses e irlandeses como The High Reel, Gravel Walks, o Rakish Paddy’s.



Hornpipe
Danza que igual que el reel tiene un compás de 4/4 pero se toca más lento. Cuando encontramos un hornpipe escrito, suele estarlo solo con corcheas y negras (además de los comunes tresillos) pero se toca como si estuviera escrita con corchea con puntillo seguida de semicorchea, The Plains of Boyle. Parece ser que esto es debido a que es más fácil leer un tema escrito solo con corcheas que con corcheas con puntillo seguidas de semicorcheas al estar más “limpio” el pentagrama.
El hornpipe era un instrumento de lengüeta doble aproximadamente del siglo XIII. Con la campana hecha de cuerno, parecido a la Alboka vasca.



Polka
Se escriben con un compás de 2/4 y suelen ser bastante rápidas. The Sliabh Luachra Polka
La polka se introdujo en Irlanda desde los salones de baile europeos y se toca en toda Irlanda pero la zona donde ha adquirido una mayor importancia es en el condado de Kerry, en la zona de Sliabh Luachra, en el suroeste del país. Es tan importante que ha llegado a destronar al reel como rey de las sesiones de música tradicional.



Jig
El otro gran representante de la música irlandesa junto al reel. Tiene un compás de 6/8 y también lo podemos encontrar bajo el nombre de double jig aunque el nombre más común es el de jig, a secas. Un jig de ejemplo: Slieve Russell o el tema de este video,el mítico "The Kesh jig"



Slip jig
Este es como el primo hermano del jig pero tiene un compás de 9/8. Es más rápido que el jig. The Drops of Brandy . Este tipo de compás puede resultar algo extraño para el oído inexperto pero rápidamente resulta familiar después de tocar y escuchar unos cuantos.



Slide
Es casi como el hermano gemelo del jig aunque tiene un compás de 12/8 y se suele tocar más rápido, además contiene más negras que un jig. El tema de ejemplo es el Terry Teehan's ocomo en el caso de este video el Kerry Slide.


Waltz
Es como los demás valses que todos conocemos pero con el toque irlandés. Tiene un compás de 3/4. Mrs Kinney's




Slow air
Son melodías que derivan del sean nos, canto en gaélico y sin compás fijado, es decir ad libitum. Se tocan como el interprete quiera, a la velocidad que él prefiera o crea necesario.



Marchas
Marchas de carácter bélico, generalmente muy antiguas o compuestas para recordar hechos históricos. Este genero solo lo encontramos en repertorios particulares de los músicos. Una antigua marcha, March of the Kings of Laois
Básicamente este el repertorio común en toda Irlanda aunque hay zonas en las que existen géneros característicos y ligados a esas zonas, como ocurre en el condado de Donegal.



Donegal

La música en Donegal
Donegal es el condado situado más al norte de la República de Irlanda, al oeste de Irlanda del Norte. Es la zona de Irlanda que mejor ha conservado el gaélico.
Donegal es el condado de Irlanda donde la cultura traída por los inmigrantes escoceses arraigó con más fuerza y su estilo a la hora de tocar es notablemente diferente al del resto de los músicos irlandeses, en cuanto al repertorio y a la técnica. Estas diferencias las encontramos más marcadas en el violín y su música. El estilo en Donegal es diferente en cuanto a ornamentación y ataque con el arco: mientras en el resto de Irlanda, se ligan más las notas con el arco, en Donegal se tiende a tocar cada nota con un golpe de arco; esta es la diferencia básica en cuanto a técnica se refiere aunque también encontramos diferencias en la ornamentación: los violinistas de Donegal utilizan más ornamentación producida por el movimiento del arco (como tresillos sobre la misma nota) así que podemos decir que la diferencia básica entre Donegal y el resto de Irlanda es la utilización del arco.
En cuanto al repertorio, se tocan los mismos tipos de temas que en resto de Irlanda pero junto con otros géneros característicos de este condado:

• Strathspey: típicamente escocés, tiene un compás de 4/4 y se toca más lento que el reel, pero su diferencia básica es el “scottish snap”; se trata de una figura muy común en la música escocesa y consiste en una semicorchea seguida de corchea con puntillo, es decir, una síncopa; recordemos que la síncopa es la inversión del tiempo fuerte, es decir, donde debería ir el tiempo fuerte del compás, encontramos el débil. Así que podemos decir que básicamente un strathspey es un reel sincopado. Jimmy Lyon's Strathspey

Scottish Snap

• Highland: también los podemos encontrar bajo el nombre de schottische o fling, o highland schottische o highland fling. También con compás de 4/4 es un género que desciende directamente del strathspey. Es una especie de mezcla entre strathspey y hornpipe. Fermanagh Highland

• Barn dance: es una especie de hornpipe, también en 4/4, a veces es difícil distinguirlas de los highland.

• Mazurca: es un genero importado de Polonia. Con un compás de 3/4 es parecida al vals. Vincent Campbell's mazurka #1

El mejor método para aprender a diferenciar la música de Donegal es escuchar mucha música. Te recomiendo que empieces con el grupo Altan liderado por la cantante y violinista Mairéad ní Mhaonaigh.

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¿QUÉ ES UNA SESSION?

Interesante artículo de Victor Dolls.

Seguro que todos habremos oído alguna vez el término jam session. Se utiliza para designar una reunión de músicos, generalmente de jazz o blues, que se reúnen para tocar. La palabra jam proviene del black english (inglés negro) y significa improvisación o improvisar. El black english es una variante del inglés hablada en ciertas partes del Caribe y que ha dado lugar a muchas palabras utilizas hoy en el mundo de la música como por ejemplo jam session o rap (lenguaje callejero). En música irlandesa casi nunca utiliza el término jam y simplemente se le denomina session o irish session, o incluso se utiliza el gaélico seisiún.



Cuando hablamos de música irlandesa, una session es una reunión de músicos que no tiene por qué ser un grupo musical formado, simplemente es gente que se reúne para tocar temas que todos conocen. El sitio de reunión más común suele ser el pub, aunque también se organizan sesiones en locales de asociaciones culturales o incluso en domicilios privados.

Se tocan sets arreglados previamente, así que hay poco de jam (recuerda su significado: improvisar). Los instrumentos melódicos (flauta travesera de madera, whistle, violín, tenor banjo, concertina, uilleann pipes,...) tocan la misma melodía, sin hacer uso de segundas voces o melodías secundarias. El acompañamiento armónico/rítmico corre a cargo de guitarras y bouzoukis mientras de la percusión se encarga el bodhrán. Siempre hay una o varias personas, generalmente las de más experiencia, que se encargan de iniciar los sets.

El ambiente de la sesión es de cordialidad y compañerismo (o al menos debe serlo), para mantenerlo existen una serie de reglas no escritas que se deben respetar. Ahora traduzco unos párrafos del libro Pocket history of Irish Traditional Music escrito por Gearóid Ó hAllmhuráin:



Unas palabras sobre la Session Etiquette.

Cada año, miles de personas acuden a sesiones de música tradicional en todo el país [ Irlanda ]. Estas sesiones tienen lugar en los bares de los pueblos, en las esquinas de las calles durante los Fleadhanna [ festivales de música irlandesa ] y en pequeños pub rurales. Para el extrangero o músico visitante, la sesión puede parecer un acontecimiento caótico con paradas y comienzos sin aparente lógica. Sin embargo, cada sesión tiene su lógica interna, código social y sentido del tiempo, que pueden variar de un día para otro. Los siguientes consejos intentan ayudar al músico visitante, así como al oyente, a disfrutar la sesión y, con suerte, a entender alguna de las reglas no escritas de la vida social irlandesa.

Muchos pubs reservan sitios especiales para sus músicos. Este lugar será obvio al entrar al pub y no debe ser ocupado por los visitantes a menos que se haya sido invitado por el músico más experimentado. Aquellos que toquen el Bodhrán deben ser discretos cuando se unan a una sesión. Un comportamiento "silencioso" es siempre apreciado por los músicos más experimentados. Si hay un segundo bodhrán, sería buena idea que se turnaran en lugar de tocar los dos al mismo tiempo. Una práctica similar sirve para las guitarras y otros instrumentos de acompañamiento.

Toda sesión tiene uno o varios músicos clave. La práctica estándar en el oeste de Irlanda es que éeste sea el de mayor edad.

Él o ella empezará generalmente los sets, marcará el ritmo y la velocidad de la música (que debe ser respetado escrupulosamente) y decide la combinación de de temas que formarán cada set.

Las sesiones consisten en música de baile, pero también se puede interpretar una canción como un solo, o un baile.

Se considera educado esperar a que se le invite a uno a interpretar un solo.

El interludio entre sets es una oportunidad importante para la conversación, y para aprender el nombre de los temas y su fuente.

Es de mala educación que el músico desconocido interrumpa este ritual para interpretar un solo.

Sin embargo, cuando se tocan solos (especialmente canciones), se aprecia el silencio.

Aunque las sesiones se realizan en lugares públicos, muchos músicos se siente incómodos cuando algún oyente graba su música con video cámara o grabadora de sonidos. Muchos piensan que esto es una intrusión a la intimidad de la reunión y roba el draíocht [ magia, vendría a ser algo así como el duende flamenco ] de la música.

Es todavía de peor educación grabar una sesión sin el permiso de los músicos, muchos de los cuales aceptarían si se les pidiera.

Es extremadamente desleal grabar una sesión con una grabadora escondida. Esto se considera un acto de piratería musical.

Finalmente, Ciarán Carson, ha sugerido que el mejor modo de apreciación para la música es invitar a una ronda a los músicos. !Eso es totalmente cierto! ¡Disfruta la música!

Gearóid Ó hAllmhuráin "Pocket History of Irish Traditional Music

En Internet existen infinidad de sitios con una serie de normas para la sesión, conocidas como Session Etiquette. Pero como ya se ha dicho antes toda esta serie de normas puede variar de sesión a sesión. Aunque todas nos llevan al mismo sitio: respetar el equilibrio existente en la sesión, para evitar los "malos rollos".

Existe una variante de la sesión que es la slow session, compuesta por gente que todavía está aprendiendo a tocar un instrumento y cuyo nivel es todavía insuficiente para unirse a la sesión normal.

Este tipo de sesiones están lideradas por un músico experimentado y que generalmente sabe tocar varios instrumentos, capaz de ayudar a los miembros a integrarse en el ambiente de la sesión.

Los sets pueden ser los mismos que en una sesión normal solo que se tocan una velocidad menor. Cuando el líder de la slow session considera que un integrante de ésta está preparado, le sugiere pasar a la sesión normal, donde poco a poco se irá uniendo, aprendiendo nuevos sets.

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PARA GUITARRISTAS EN LA SESSION. AFINACIÓN DROP-D (DADGBE - RE LA RE SOL SI MI)

PARA LOS GUITARRISTAS INTERESADOS EN EXPERIMENTAR ESTA AFINACIÓN LES DEJAMOS UNAS TABLATURAS REALIZADAS POR MICHAEL ESKIN www.michaeleskin.com www.tradlessons.com

CON UN SIMPLE CLIK VEREIS LAS TABLATURAS EN TAMAÑO GRANDE Y PODRÉIS IMPRIMIRLAS.

PUBLICAREMOS SUS VIDEOS EN LOS QUE NOS PONE EJEMPLOS BÁSICOS DE COMO UTILIZAR ESTA AFINACIÓN.

LOS CALIBRES DE LAS CUERDAS SUELEN SER: 13/17/26/36/46/56

EL MÉTODO DE IRISH RHYTHM GUITAR MÁS RECOMENDADO ES EL DE JOHN DOYLE


VIDEOS EXPLICATIVOS DE DROP-D

LA MENOR Walkup Pattern


RE MAYOR Walkdown Pattern


RE MAYOR Walkdown Pattern (EN GRAVE)


RE MAYOR Walkdown Pattern


ACOMPAÑAMIENTO PARA UN REEL EN MI DÓRICO


ACOMPAÑAMIENTO PARA UN REEL EN SOL MAYOR


ACOMPAÑAMIENTO PARA UN REEL EN LA DÓRICO


ACOMPAÑAMIENTO PARA UN REEL EN RE MAYOR


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Partituras de la session 21/02/2008

Aquí tenéis la partitura correspondiente a los videos ya publicados.

Más adelante proporcionaremos las partituras con acordes cifrados, aunque simplemente sean orientativos y se puedan cambiar en la session. Leer más...

Primeiras sessions do pub "Batallón"

A PARTIR DO XOVES 21 DE FEBREIRO CELEBRAREMOS SESSIONS DE MÚSICA FOLK NO PUB "O BATALLÓN" RÚA MARTÍN CODAX, 17.(zona churruca)

HORARIO: A PARTIR DAS 22:00H

A última peza é a versión da "Camposa" de Anxo lorenzo.
(Os videos son orientativos, moitas veces non coincidirán ca partitura)



E Aquí está o primeiro set de reels... (Arriba tendes a partitura das pezas)





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ESTRENAMOS VIGOFOLK

Este blog ha sido creado en un principio para anunciar y organizar las sessions de música folk desarrolladas en la ciudad de Vigo.

EN ESTE BLOG HABLAREMOS SIN COMPLEJOS DE LA MÚSICA QUE NOS GUSTA.
MÚSICA FOLK GALLEGA, ASTURIANA, CASTELLANA...DE TODA LA PENÍNSULA, PERO TAMBIÉN DE LA MÚSICA FOLK IRLANDESA, ESCOCESA, BRETONA, AMERICANA Y CUALQUIER OTRA QUE NOS APETEZCA.

Puede que el inicio del blog tenga más referencias hacia el folk irlandés y escocés pero esto es meramente una introducción para comprender un estilo de música que ha influido notablemente en la técnica, sonido e instrumentos de la "música folk" europea de los últimos años. ("MÚSICA FOLK" y siempre refiriéndonos a este término y no al de "músicas tradicionales" los cuales a pesar de tener vínculos muy estrechos tratan dos conceptos totalmente diferentes).

Espero que poco a poco la gente se anime a colaborar con nosotros y divulguemos nuestras actividades lo máximo posible.

Idiomas empleados: Galego, castellano, inglés,...etc

Un saludo:

Abraham Fernández Leer más...